PURUGUAY

Enredos temporales en el Victoria

Con respeto por la pieza, así como por las claves de expresión seguidas para la puesta, el bailarín, actor y director Ismael Da Fonseca estrenó en el Victoria “Los Enredos de Escapino” (les Fourberies de Scapin) de Molière (1622-1673).
Estrenada en París en 1671 con el propio Molière en el papel de Escapino, esta pieza escrita tres años antes de la muerte del “maestro de la farsa” es una celebración del “teatro puro”, y también de una vuelta a los propios orígenes del dramaturgo, a aquellos tiempos en que, con la compañía de los Béjart, Molière viajaba en carromato por toda Francia ofreciendo espectáculos cuyo objetivo central era la risa.
Es lógico plantearse, a más de 300 años de su estreno, que un montaje actual de este “clásico” debe albergar, necesariamente, un planteo renovador. Para el caso de esta puesta de Da Fonseca, no es la transgresión de las formas lo que hace a la renovación sino una profundización en ellas. De allí que esta opción se vuelva casi un tributo a los orígenes de aquella teatralidad de Molière y a los del propio arte teatral, aunque no está exenta, sin embargo, de interesantes aportes personales en los que se reconoce la escuela del propio director: esas vertientes teatrales de las que se nutrió y que se perciben en todos sus trabajos.
Molière combina aquí elementos de la Commedia dell’arte, la farsa francesa y la comedia latina, y Da Fonseca retoma estas fuentes para un espectáculo en el que logra articular el respeto a las exigencias del texto, a un código, y a una estructura de reglas muy precisas, con el respeto a sí mismo en tanto creador e investigador actual del su permanente objeto de indagación y asombro: el arte teatral.
Entre los “tipos fijos” de la Commedia dell’arte, aparecen aquí los zanni (divididos en el criado astuto que conduce la trama –Escapino- y el tonto e ingenuo –Silvestre-), los jóvenes amantes (Octavio y Leandro, enamorados respectivamente de Jacinta y Cerbineta) y los Pantaleones o “vecchi” (viejos avaros y mezquinos de expresión burda y grosera -aquí Arganto y Geronte, padres de Octavio y Leandro-). Los prototipos aparecen fielmente representados, para una trama en la que los “enredos de Escapino” consisten en lograr, mediante su astucia y su entrenadísimo manejo de artimañas y engaños, la concreción del amor de los jóvenes –contra la voluntad de sus codiciosos padres- así como la consecución del dinero que éstos necesitan y que el criado obtiene, irónicamente, de los herméticos bolsillos de los propios viejos.
Más allá de las relaciones establecidas entre los personajes por la anécdota, los juegos escénicos de esta puesta se convierten en el centro de interés. En cada uno de los personajes puede reconocerse, desde su primera entrada, un propio ritmo verbal y gestual, una propia forma de moverse, un propio modo de expresarse, una propia cadencia, una relación particular con el entorno. A esto contribuye decisivamente el diseño de las máscaras (Jorge Añón) así como el vestuario (Ana González), que lejos de constituir un simple adorno son incorporados por los actores a un riguroso proceso de construcción de sus personajes. Intereses, modalidades y acciones se articulan en un juego que, a partir de la pieza de Molière, revitaliza formas antiguas otorgándoles un nuevo valor o, al menos, un valor recuperado.
La puesta denota un cuidado especial en el arte de la escena y de la técnica corporal -muy elaborada- del actor, y tras la soltura y gracia de cada uno de los personajes de esta comedia fresca y de reconocibles constantes dramatúrgicas, puede verse el meticuloso trabajo que, para este espectáculo, realizaron tanto el director como cada uno de los integrantes del elenco. A la ductilidad y versatilidad de Da Fonseca -quien hasta podría resultar irreconocible detrás de su acrobático arlequín Escapino- se suma un elenco en general solvente, salvo marcadas excepciones que –tal vez por falta de experiencia- no lograron un desempeño a la altura de las exigencias. Resaltan por la excelente composición de sus “vecchi” Daniel Bérgolo y Sergio Gorfain, sorprendiendo este último por el acierto en los tonos vocales y gestualidad de ese decrépito que le toca en suerte, un acierto cuyo valor se redobla cuando al final del espectáculo se descubre la juventud del actor tras la máscara.
En cuanto al manejo del espacio, un teatro Victoria despojado y aprovechado al máximo -inclusive para la integración de algunas “acrobacias” casi siempre en manos del protagonista-, funciona como una “caja de sorpresas” en la que el público puede descubrir nuevos rincones y posibilidades.
Uno de sus contemporáneos ha afirmado sobre Molière que “su carácter propendía a lo real, y su talento a la sátira”. Lo cierto es que este dramaturgo que sintetizó en prototipos la estructura de una sociedad claramente estratificada como la de la Francia del siglo XVII vuelve hoy, al parecer, eludiendo los embates del tiempo. Afortunadamente, su capacidad para denunciar y ridiculizar costumbres e hipocresías mediante la risa, ha sido festejada con rigor y precisión en este espectáculo que propone el equipo conducido por Da Fonseca, y que es ante todo una indagación en una línea. Precisamente, en ese rigor radica el valor de esta puesta que, además, tiene la virtud de acercar al público uruguayo a un género poco frecuentado.

Lucía Masci Caras y Caretas. 26 de marzo de 2004.

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