Malestar en el festival: estado de asamblea
Del clima de fiesta al descontento 
Por posibles cambios en la ley de teatro.

El clima de celebración de la 18ª Fiesta Nacional del Teatro se vio anteayer enturbiado al conocerse la existencia de un decreto presidencial que modificaría algunos artículos de la ley 24.800, conocida como ley del teatro, que dio origen al Instituto Nacional del Teatro (INT), instituido para la difusión, fomento y promoción de la actividad teatral, y el subsidio para la creación de nuevas salas en todo el país. 
Esta noticia movilizó a los teatristas, que convocaron a una asamblea permanente, en la cual se planteó la posibilidad de suspender la fiesta, medida que luego fue dejada de lado. 
La sorpresa y el desaliento invadieron anteayer el ánimo de los más de 400 participantes de este encuentro porque ignoraban la existencia de este decreto, cuyo autor permanece en las nebulosas del anonimato. Esperaban otro, ése que devolvía al INT la autarquía económica que por ley le corresponde. 
La historia comenzó hace ya algunos años, cuando Domingo Cavallo, desde su función como ministro de Economía, le sacó la autarquía al INT y retuvo los fondos que correspondían a un presupuesto original de 11 millones de pesos reduciéndolo a 5 millones. Desde el momento en que Cavallo dejó la cartera de Economía los teatristas de todo el país se movilizaron para recuperar la autarquía y con ella los recursos legítimos que le confiere la ley (el 10 por ciento del impuesto que recauda el Comfer por la publicidad que se emite por televisión). 
El día de la inauguración de esta fiesta, el secretario de Cultura de la Nación, Rubén Stella, anunció que el decreto por la recuperación de la autarquía estaba a punto de ser firmado por el presidente de la Nación. Los delegados ya anticipaban que éste podía llegar a ser el broche de oro de la clausura de la fiesta. Pero otra parece ser la realidad. 
Rafael Bruza, representante regional de Centro-Litoral y secretario general del INT, y Marcelo Lacerna, representante por Mendoza y delegado regional de Nuevo Cuyo, ambos miembros del Consejo de Dirección del INT, dialogaron con LA NACION para explicar las causas de una movilización que incluye el rechazo a la firma de este decreto, repudio que se hace público todas las noches al finalizar cada función de teatro. 
"El punto en cuestión - comienza Lacerna- es que nosotros pedíamos la restitución de la autarquía y nos encontramos con el borrador de un decreto que anula ciertas funciones ejecutivas del Consejo Directivo del INT, lo que vulnera el espíritu federal de la ley del teatro, confiriendo todos los poderes a un futuro presidente del mismo, ya que este borrador también contempla el cambio del cargo de director ejecutivo por el de presidente, al que se sumaría también el nuevo cargo de vicepresidente." 
La ley 24.800 establece que el INT estará conducido por un consejo de dirección, integrado por delegados regionales y del quehacer teatral de todo el país, elegidos por concurso de oposición y antecedentes, formando una entidad colegiada junto con el director ejecutivo del INT y el representante de la Secretaría de Cultura. 
-¿Y este decreto, qué establece? 
Bruza: - Que ahora estará conducido y administrado por un presidente, un vicepresidente y un consejo que será presidido por el presidente o el vicepresidente si aquél lo delega. 
-¿Y los miembros del Consejo de Dirección, cómo quedan? 
Lacerna: -Sin las funciones ejecutivas y sólo se nos asignan funciones de asesoramiento y planificación. Todas las funciones ejecutivas en el futuro estarían exclusivamente en manos de este presidente. Ahora no podemos designar, sino proponer; la función de administrar pasa a manos del presidente y además, el mandato de éste -que es elegido por el Poder Ejecutivo- en lugar de cuatro años, como establece la ley, puede ser prorrogado por más tiempo, lo que revela una intención de perpetuarse en el mandato. 
Bruza: -Y nosotros quedamos como figuritas decorativas. 
-¿Qué dijo José María Paolantonio, director del INT, sobre este decreto? 
Lacerna: -Cuando Stella hizo el anuncio de la inminente firma, le preguntamos a Paolantonio sobre el texto del mismo y nos dijo que lo desconocía. Eso nos hizo sospechar de que algo estaba pasando, porque él, como director del INT, no podía desconocer el contenido de este decreto, ya que el INT depende de la Secretaría de Cultura. 
-¿Quién les dio el borrador del decreto? 
Lucerna: - Los conseguimos en la Jefatura de Gobierno, porque alguien tenía que saber de la existencia de este decreto que iba a firmar el Presidente. 
-¿Se comunicaron con Paolantonio? 
Lacerna: -Lo esperamos para la clausura de la fiesta. Pero sospechamos que él participó en la elaboración del decreto porque en sucesivas conversaciones, dentro de un ámbito democrático, se mostró disconforme con las atribuciones que tiene el consejo. En muchos puntos su discurso es coherente con el texto del decreto. 
Bruza: - Somos hombres de teatro, no políticos, y hay ciertas cosas que se nos escapan. Sentimos además que hay una sombra de traición, porque nosotros veníamos trabajando por la recuperación de la autarquía y nunca se habló de estos cambios. 
En los considerandos del nuevo decreto se establece: "Que con relación a los objetivos del organismo antes citado (INT), resulta conveniente implementar los mecanismos necesarios para producir un cambio en el modelo de gestión que eleve la calidad y eficiencia del mismo. Que, para ello, el INT requiere disponer de todos los medios a su alcance para prestar un servicio rápido, eficaz y eficiente. Que la falta de flexibilidad y la rigidez de los procedimientos pueden tornar ineficiente la gestión del organismo. Que frente a este escenario resulta necesario producir una reforma en este campo, ganando efectividad y adquiriendo capacidad para sostener planes estratégicos que superen la duración normal de un gobierno. Que la reforma administrativa proyectada pasa por una descentralización de las decisiones operativas y una mayor autonomía para quien preside el INT". 
Nube negra 
-¿Paolantonio pudo haberse sentido limitado por las decisiones del consejo? 
Lacerna: -No sé si se siente atado. Lito Cruz y Rubens Correa (primer y segundo director del INT) también pudieron haberse sentido atados, pero siempre hemos conversado cuando aparecieron los problemas. 
Bruza : -Creo que hay un juego de poder más grande. Somos gente de teatro que está llevando adelante un proyecto nacional y eso molesta a ciertos sectores de poder que no pueden tener al INT al servicio de sus intereses. Al poder tradicional y la vieja política no les gusta esta forma democrática de gobierno. 
Lacerca: -Nosotros no fuimos designados por la Secretaría de Cultura, sino que concursamos y fuimos elegidos por nuestros compañeros. 
Bruza: -Y en cargos que son totalmente ad honorem. 
La movilización también demandó la precipitada llegada de otros miembros del Consejo de Dirección que ya habían vuelto a sus respectivas provincias. El tema es preocupante porque temen que cualquier medida que tomen puede afectar la recuperación de la autarquía del INT -y con ella los recursos económicos, que este año podrían llegar a la suma de 15 millones de pesos- y de esta manera afectar la actividad teatral en todo el país. 
Desde la redacción de LA NACION se intentó hablar con José María Paolantonio, que al cierre de esta edición no había respondido los llamados telefónicos que se le hicieron. 

Susana Freire. La Nación. 5 de abril de 2003 

LA ESCENA IBEROAMERICANA 

Argentina

Gorostiza, lleno de símbolos 

Estrena "Toque de queda" que ambientó en 1945 al finalizar la guerra. Es una obra que habla de un poder omnipresente y puede transcurrir en cualquier gran ciudad de nuestro país. Según el autor, muestra "la seducción que ejerce el poder y el mal en una familia obediente". Se verá en el teatro San Martín.
En un descanso de los ensayos Carlos Gorostiza (Buenos Aires, 1920) dice que tenía dudas de volver a dirigir. "Antes asumir esa responsabilidad era un goce estético. Ahora prefiero seleccionar mis libros, discos, los amigos, que no son muchos los que me quedan, y dedicarme a escribir novelas". 
El autor de "El puente" (1949) estrenará, el 5 de abril, a las 21, en la Casacuberta del San Martín, su última pieza "Toque de queda", en la que decidió asumir la codirección, que comparte con Daniel Marcove.
"Acá se dieron circunstancias especiales. Cuanto terminé "Toque de queda" me dije esto tengo que dirigirlo yo e imaginé que debía ser representada en la sala Casacuberta. Lo llamé a Kive Staiff y se lo dije. Coincidió que él pensaba comunicarse conmigo, porque como nunca se había dado una obra mía en este complejo, quería proponerme reponer "El pan de la locura" (1958)".
Carlos Gorostiza terminó de escribir "Toque de queda" en mayo del 2001 y ambientó su obra durante una noche de agosto de 1945. Su protagonista es Pericles, un funcionario, un enigmático personaje que irrumpe en el hogar de una familia porteña. 
La violencia, los caprichos de un poder que se manifiesta casi de manera omnipresente y un humor grotesco tamizado al ritmo del 2000, son algunos de los elementos de la obra, que es protagonizada por Villanueva Cosse, Lucrecia Capello, Roly Serrano, Nicolás Mateo y Micaela Iglesias.
Gorostiza habla pausado y es sintético en la mayoría de sus respuestas. Deja que las palabras se llenen de un silencio sugestivo y a diferencia de los personajes de sus obras teatrales, es un hombre algo distante, que prefiere observar al otro, como intentando también él buscar nuevas respuestas, a los porqué de lo que se le pregunta.
EL REGRESO DE PERICLES
-¿Quién es Pericles, el protagonista?
-Es un personaje temible, pero tiene mucha simpatía y humor. Es como el mal, muy querible y seductor. Representa el símbolo del poder, el mal que nunca muere. Es inmortal. No es ni un militar, ni un policía, sino un funcionario de la Comisión de Preservación del Toque de Queda (Cepretoc). En la pieza traté de que los diálogos fueran lo suficientemente cotidianos para que se reproduzca mejor esa relación que existe entre el poder y una familia obediente. 
-¿Por qué la ambientó en 1945?
-La acción se desarrolla la noche en que la gente sale a festejar el fin de la guerra.
-Lo ocurrido con el gobierno de De la Rúa ¿tuvo que ver con que haya escrito esta pieza?
-No está ligada a la coyuntura política argentina, refiere a los procesos universales. 
-Usted fue secretario de Cultura de la Nación, durante el gobierno de Alfonsín, no sé si militó en el radicalismo, ¿tal vez la pieza surgió por una situación de desencanto con ese partido político?
-No milité en el radicalismo, ni tampoco pertenecí a él. En cierto momento me afilié a ese partido para que ganara el doctor Alfonsín, en aquella interna que se jugaba contra De la Rúa. Mi desencanto es el mismo que padecemos la mayoría de los argentinos y los que hemos vivido en estos últimos cincuenta años. A medida que pasa el tiempo, la esperanza es más difícil de sostener. Pericles, el protagonista de "Toque de queda" tiene una frase que repite varias veces, en la que dice "la esperanza es traidora". 
PADRES E HIJOS
-¿En qué se diferencian la familia de "Toque de queda", a la que usted mostraba cuando escribió "El puente", en el 49?
-Como autor soy fiel a la realidad y me inspiró en ella, aunque después lo que se vea en el escenario no sea un reflejo de la actualidad. La relación entre padres e hijos es diferente a la de aquella época. Yo tenía compañeros de estudios, que trataban a sus padres de usted. Ultimamente los hijos se rebelan más que antes y eso aparece en la obra. 
-¿Quiénes integran la familia de esta pieza?
-Es un matrimonio con un hijo, la novia del chico y el protagonista. 
-¿Expone temas esenciales?
-Toma temas más generales. Pretende ser un fresco sobre esa dependencia y seducción que se da entre el poder y el mal. 
-¿De qué manera se manifiesta la violencia en la familia de "Toque de queda"?
-No sólo hay una aceptación de la violencia de los padres sobre el hijo. Los padres son cómplices de la violencia ordenada por el poder. No es una obra sociológica. Tiende a tocar fibras íntimas del espectador y confío en que la gente se emocione al verla. 
-¿Tiene un mensaje de esperanza hacia el futuro?
-Le vuelvo a decir "la esperanza es traidora". 
UN PASADO SIN MUCHOS RECUERDOS
En 1945, cuando transcurre "Toque de queda", Carlos Gorostiza tenía veinticinco años. 
-¿La pieza tiene recuerdos suyos de los 40?
-Algunos, pero no demasiados. Una persona menor que yo, podría haber recurrido a un diario y listo. No hay ningún dato excepcional. Me cuidé en el lenguaje, o sea que parece escrita por un autor de cuarenta años.
-El que ahora haya estallado la guerra, ¿le permitirá al espectador una apreciación más intensa de la obra? 
-Esa coincidencia tal vez dramatice más su contenido. Lo curioso es que los integrantes de la familia de esta pieza se refieren a hechos del futuro. Hablan del hambre, de los tranvías que van a desaparecer, del surgimiento de una enfermedad como el sida y de la computación. La pregunta es qué nos ocurrirá a nosotros. La pieza contiene ecuaciones sobre el pasado, el presente y el futuro, que creo la hacen particularmente interesante.
Juan Carlos Fontana. La Prensa. 30 de marzo de 2003 

CHILE. 

Novela Pedro Páramo será llevada al teatro

La obra del mexicano Juan Rulfo será adaptada por el director Elías Cohen. Su título es Ecos de Comala; su estreno se prevé para julio.
Los muertos no tienen ni tiempo ni espacio, decía el mexicano Juan Rulfo (1917-1986), autor de Pedro Páramo. La novela, que lo convirtió en una de las cimas de la literatura iberoamericana y que narra la historia del pueblo de Comala a través de sus muertos, será el punto de inspiración para un nuevo montaje.
Ecos de Comala es el nombre de la adaptación, realizada por el director Elías Cohen (Hojas de té, Colores del poder) y que será llevada a escena en el mes de julio.
El proyecto que fue financiado por Fondart en 2002 ya posee historia. En 1998, Cohen, director de la compañía The Tempest Theatre, viajó a la ciudad de Kerala (India) para conocer el teatro sagrado Kathakali. Dos años después realizó su primer acercamiento al mundo de Juan Rulfo.
Según recuerda, la obra se montó en cuatro semanas: Trabajé con un grupo de teatro local, quienes me pidieron adaptar un autor latinoamericano. Contrario a lo que se piensa, los hindúes conocen bien a los artistas de nuestro continente. Leen a Borges y a García Márquez. Ellos eligieron a Rulfo.
Realizó el montaje con un elenco hindú; a pesar de que la experiencia fue breve, quedó muy satisfecho. El montaje, de hecho, viajó por distintos festivales del sur de la India.
Cohen, que fijó de nuevo su residencia en Chile en 2002, define su teatro como físico. Es un género que privilegia recursos como la danza y la destreza corporal antes que el texto. The Tempest Theatre se creó en 1998, en Dinamarca, y reúne a artistas de distinto origen étnico.
Siempre pensé que podía llevar 'Pedro Páramo' nuevamente a escena, confiesa. En todo caso, después de tres años este nuevo capítulo no ha sido fácil: Es un proceso lento, porque estoy uniendo la experiencia física de un actor con lo esencial del texto de Rulfo.
En el elenco de Ecos de Comala participarán Carlos Araya y Claudia Fernández, entre otros; la música estará a cargo de Jorge Martínez, ex director musical del Teatro del Silencio de Mauricio Celedón.
Andrea González. El Mercurio. 29 de marzo de 2003

COLOMBIA. 

El zoológico de las pasiones

Se presenta en la Casa del Teatro, en Bogotá, 'La historia del zoológico', un encuentro entre dos hombres de mundos diferentes que termina en tragedia. La pieza es dirigida por Germán Moure.
Juan Lenis y Javier Gardeazábal, los actores de la obra teatral La historia del zoológico, interpretan a un ejecutivo burgués y un prostituto gay, respectivamente. Ambos están de visita en un zoológico y empiezan a conversar, a revelarse. 
Esa charla, que tiene lugar en una banca del Central Park, en Nueva York, se convierte en una excusa para que el espectador descubra los complejos y debilidades de dos personajes instalados en mundos distintos. Un encuentro que termina en tragedia. 
La obra, dirigida por Germán Moure, está basada en la obra del dramaturgo estadounidense Edward Albee. Para el montaje no fueron necesarios muchos cambios, dice Moure. Solo se le adicionó un saxofonista, que aparece al inicio de la obra y que después interpreta la música de fondo de la pieza. "Simplemente sentí que faltaba ese toque de música -agrega-. En los parques, especialmente en el Central Park, siempre hay músicos que esperan recibir una moneda". 
Dice el director que los actores lo escogieron como director, algo poco usual en el teatro. "Me sentí halagado y sorprendido con el trabajo que ellos habían adelantado", comenta. Los actores pensaron en Moure por ser un director 'fresco': "Él lo lleva a uno de la mano, lo deja volar, le muestra varias interpretaciones, facetas", asegura Gardeazábal, que interpreta al gay. 
Cuando se hizo el contacto, los artistas ya habían estudiado la obra. Se habían enamorado de ella cuando apenas cursaban segundo año en la Escuela de Arte Dramático del Teatro Libre. Hoy ya están graduados. 
"La conocimos cuando unos compañeros la interpretaron para un ejercicio de clase -cuenta Gardeazábal-. Nos gustó, investigamos sobre el teatro norteamericano, sobre Albee y comenzamos a aprendernos los textos como parte de un juego". Pero cada vez se sentían más atrapados por esos personajes y la obra dejó de ser un juego para convertirse en un montaje real. 
La pieza los cautivo, comentan los actores, porque aborda un tema que siempre está vigente: la comunicación. Se refiere a las relaciones humanas, cómo nos conocemos unos a otros y las barreras que existen por los rótulos que la sociedad nos ha impuesto. Casa del teatro Nacional. Carrera 20 No 37-54 
El Tiempo. 28 de marzo de 2003

ESPAÑA. 

La dialéctica de la seducción

Hinojosa dirige El libertino de Schmitt, que se estrena en La Abadía. Diderot es rescatado de los libros de historia para convertirse en el protagonista de El libertino, de Enric-Emmanuel Schmitt, que recrea la figura del autor de La enciclopedia. Joaquín Hinojosa dirige esta comedia que se estrena el 3 de abril en La Abadía por primera vez en España y en la que Andrés Lima da vida a un Diderot hedonista. 
El libertino es uno de esos textos teatrales que, como en el caso de Arte, divierten mientras hacen reflexionar sin que el espectador apenas se dé cuenta. Rezuma dialéctica y humor, además de contar con una estructura dramática impecable y unos personajes reflexivos y hedonistas. Con un pie en el teatro filosófico y otro en la alta comedia, la riqueza de matices de El libertino la convierte en una comedia de enredo inteligente, “que hace reír al público y que está ennoblecida por un alto nivel intelectual y unos diálogos brillantes”, apunta su director, Joaquín Hinojosa. 
Basada en la figura histórica del filósofo, ensayista y novelista Denis Diderot, la obra explora la personalidad del ilustre pensador, en la que confluyen obra filosófica y filosofía vital. Es la primera vez que se representa en nuestro país esta pieza del francés Enric-Emmanuel Schmitt, autor consagrado en Francia y casi desconocido en España.
El personaje que Schmitt crea en El libertino a partir de la realidad “resulta más verosímil a pesar de ser una ficción” dice Hinojosa, quien quedó deslumbrado por el filósofo y el periodo de la Ilustración cuando preparaba para el Grec Cándido, de Voltaire, hace seis años. “Diderot me fascinó por su campechanía como ideólogo, por la frescura narrativa de sus obras, que resultan tremendamente contemporáneas. Pero sobre todo me interesó su continua lucha interior entre sentimiento y pensamiento, entre su filosofía y su forma de vida. Él lo trata con una nobleza y una falta de dogmatismo ejemplares”. 
LA MORAL, A DEBATE. Contradictorio y noble, a pesar de su libertinaje, el Diderot de esta comedia –un intelectual empírico y escéptico– intenta terminar su definición de “moral” para La enciclopedia mientras forma parte de un enredo amoroso. La paradoja del filósofo, la moral a debate, la condición femenina, el sexo como elemento de poder, el juego de la seducción –que recuerda a Las amistades peligrosas de Choderlos de Laclos– son los temas que se van desgranando a lo largo de la obra, al igual que cierta ideología hedonista, diluida en los diálogos. 
El actor y director Andrés Lima –creador de la compañía Animalario, que mantiene en cartel hasta finales de abril Alejandro y Ana.... en los salones Lady Ana de Madrid– da vida a este “suculento personaje, lleno de sentido común y que me ha enseñado a plantearme nuevas preguntas” dice Lima, en quien desde un primer momento pensó Hinojosa para interpretar a Diderot. 
VISIÓN DE FUTURO. El actor, que ha buceado en algunas de las obras del filósofo aunque asegura que no se trata de hacer un retrato calcado de la realidad, cree que “Diderot era un avanzado de su tiempo en cuanto a su visión del matrimonio, la moral y las relaciones interpersonales. Era un progresista”. 
Con este montaje Joaquín Hinojosa vuelve al escenario de la Abadía –de la que es director adjunto– después de que la temporada pasada estrenara Defensa de dama, obra de su autoría. Su fascinación por Diderot no termina aquí. El director y autor ya le está dando vueltas a Jacques y su maestro (1971), pieza teatral de Milan Kundera inspirada en la novela de Diderot Jacques el fatalista. 
Itzíar De Francisco. El Mundo. 2 de abril de 2003

MÉXICO. 

Apokatástasis, ritual de iniciación

Presentan en Chapultepec un experimento teatral que concibe a esta disciplina omo un medio de conocimiento personal y social. 
A los pies de un árbol, un hombre vestido de blanco recibe con los brazos extendidos a los 13 viajeros que, bajo su propia voluntad, han decidido emprender una de las travesías más arriesgadas: enfrentarse a la muerte de uno mismo. 
El barquero que los conducirá a una isleta desconocida les advierte antes de partir que deberán despojarse de aquello que más aman, ya sea el miedo, el recuerdo de algo, de alguien o el apego a una obsesión.
Apokatástasis es el montaje teatral que incita a los espectadores, en el momento en el que se asumen como pasajeros del viaje, a encontrarse con sus propias raíces en pleno Bosque de Chapultepec.
Este experimento, en el cual se concibe al teatro como medio de conocimiento personal y social, cuenta con la dramaturgia de Fernando de Ita y la dirección de Nicolás Núñez y permanecerá, a partir del próximo lunes, durante cuatro semanas consecutivas en la Casa del Lago Juan José Arreola.
La aventura, de tres horas de duración, se realiza al aire libre y con la oscuridad nocturna como acompañante, aunque la visión se reduce aún más cuando seres de rostro cubierto vendan los ojos de los pasajeros para embarcarlos rumbo al territorio desconocido.
Durante el trayecto, la música que se escucha proviene de un clarinete y del golpe de los remos con el agua; priva el silencio entre los tripulantes y una vez llegados a la isleta, ya sin venda alguna que obstruya su visión, presencian la aparición de cuatro mujeres, cuatro "lobas depredadoras" que amenazan con recobrar el poder que les fue arrebatado.
Todo se asemeja a un ritual de iniciación y tras la advertencia del hombre lobo de que los 13 viajeros queden aniquilados por esas hembras en celo resuenan las percusiones que anticipan la siembra.
Lo que florece en esa isleta son trece árboles, trece personas que renuevan su contacto con la madre tierra y que pueden aprovechan el viaje para liberarse de la carga de las más grandes penas y angustias, para depositarlas en ese paraje de la naturaleza.
Antes del regreso al punto de partida, la entrega a la danza representa una opción más para renacer. Las voces y los murmullos que invitan a la reflexión se han escuchado casi desde el comienzo, pero se escuchan con mayor fuerza dentro del vientre de un árbol, un ser divino que anuncia la despedida de "lo que ya no somos".
Julieta Riveroll. Reforma. 2 de abril de 2003

PERÚ. 

Mister Juramento desviste a Latinoamérica en Perú

En la cara de este travestí están los sueños, los miedos, las desesperanzas de un continente. En el cuerpo de este travestí están los maltratos, los dolores, los placeres de una vida demasiado vivida. Es Susanita Pons, el personaje creado por Néstor Caballero en el monólogo "Mister Juramento" que interpreta magistralmente Franklin Virgüez y que ahora prueba un nuevo éxito en Perú. 
Tras siete años de triunfos en escenarios de Caracas, Miami y Nueva York y varios premios, el monólogo "Mister Juramento" dirigido por el autor, será presentado del 10 al 12 de abril en Satchmo Café Concert de Lima, gracias al interés que mostraron por el espectáculo los representantes de la productora peruana Jucare Asociación Cultural, Julio Cesar Torres y Carlos Ramírez Acosta. 
La obra teatral cuenta la historia de un travestí que trabaja en bares nocturnos y que ama al cantante ecuatoriano Julio Jaramillo. Este es el pretexto que utiliza el escritor para hablar, con humor inteligente, del desamor, la soledad, el exilio, la tortura, en el marco de una dictadura latinoamericana. Por su parte, Virgüez logra una excelente interpretación de esta dama metida en un cuerpo masculino. La obra se ha montado en escenarios nacionales e internacionales, por los esfuerzos del actor y el dramaturgo, pues no reciben para este proyecto ningún subsidio público. 
El Satchmo Café Concert de Perú es un espacio no convencional, apropiado para la obra, pues permite una relación de intimidad entre el actor y el público y la participación de este último como parte del espectáculo.

VENEZUELA. 

Diez años del Teatro San Martín de Caracas

Más de medio millón de espectadores y 352 espectáculos presentados en 10 años son cifras que se unen a otras tan importantes como los 6 festivales Internacionales Fiesta! organizados cada Diciembre desde 1997, la participación en 34 eventos internacionales representando a Venezuela, 12 premios nacionales, 5 internacionales y una media de 100 alumnos anuales en sus diferentes talleres hacen de estos 10 años del TEATRO SAN MARTÍN DE CARACAS una historia buena qué contar.
Y este Viernes 4 de Abril, a las 8 pm, el TSMC celebra además su primer decenio con la entrega de los PREMIOS ÁGUILAS DE SAN MARTÍN 2003, ocho reconocimientos a los grupos y artistas ­no residentes- que se han presentando en sus dos escenarios durante el año 2002. También presentarán en ese acto el segundo tomo de los CUADERNOS DEL TEATRO SAN MARTÍN, colección que preserva los mejores textos llevados a escena durante la temporada regular del TSMC y el bautizo del libro "Cabellos azules en sábana blanca" co-edición entre Estival de Venezuela y Presagios de México también con obras de autores venezolanos desde RODOLFO SANTANA y EDILIO PENA a GUSTAVO OTT y JUAN MARTINS
Igualmente, en esa noche de cumpleaños, el TSMC nombrará los AMIGOS DEL TSMC 2003 que entrarán a formar parte de la SOCIEDAD DE AMIGOS de esa institución creada en el año 1993. Finalmente, una función especial de NUNCA DIJE QUE ERA UNA NINA BUENA ­pieza con la que precisamente se inauguró el teatro ­ pondrá sello a este cumpleaños de lo que es hoy toda una institución en el suroeste caraqueño.
DOS NUEVOS LIBROS, SIETE PIEZAS INEDITAS
Este Viernes se presentarán las dos nuevas ediciones de teatro venezolano en un esfuerzo que reúne a CUADERNOS DEL TSMC , la EDITORIAL ESTIVAL y la EDITORIAL PRESAGIOS de MÉXICO. El primer libro, Nro. 2 de los CUADERNOS DEL TSMC publica tres de los montajes más celebrados en la escena de San Martín durante el 2002 con prólogo de Alberto Hernandez. Abre esta edición edición ASALTO AL VIENTO, de Rodolfo Santana, espectáculo respaldado de manera masiva por los espectadores de San Martín y estrenado en Febrero del 2002. La segunda pieza editada es MISS, de Gustavo Ott, obra ganadora del Premio CELCIT a la mejor obra del 2002 y que estuviera 4 meses en la cartelera del TSMC. Finalmente, le sigue CARTAS DEL CORAZON PARA EDITH PIAF, de Juan Martins, suceso de la temporada de San Martín durante el mes de Agosto. El Segundo tomo es una co-edición. Ediciones Presagios (México) presenta su antología "Cabellos azules en sábana blanca" en la que se recogen cuatro piezas emblemáticas de los dramaturgos venezolanos Rodolfo Santana, Edilio Peña, Gustavo Ott y Juan Martins. Así, con estas dos ediciones se consolida la actividad editorial tanto del TSMC como de Estival destacando a diferentes escritores de diferentes generaciones en esta nueva antología. De esta manera se afirma la editorial en procura de editar a escritores venezolanos, mediante el intercambio que ha venido desarrollando el TSMC con Ediciones Estival y Presagios.
10 AÑOS: DEL ABANDONO AL CENTRO CULTURAL
El 19 de Mayo de 1992, con la presencia del Gobernador del Distrito Federal, fueron entregadas formalmente en comodato las antiguas instalaciones de la Lotería de Caracas, ubicadas en la Parroquia San Martín, sector Artigas a la Fundación Cultural Paraíso San Martín y Teatro San Martín.
Hasta ese momento, las instalaciones eran dos edificaciones abandonadas desde hacía 20 años, utilizadas como depósitos de objetos inservibles, basura y delincuentes. En ese período de abandono, la Gobernación intentó hasta quince planes de rescate en tres gobiernos distintos, pero ninguno pudo llevarse a cabo.
La comunidad tenía estos espacios como áreas de extrema peligrosidad y varios actos criminales ocurridos en los alrededores lo confirmaban de manera dramática. En la noche, el área permanecía oscura, y los peatones preferían cruzar la calle antes que tener que pasar frente a ese centro de delincuencia y basura que , lamentablemente, la desidia había preparado para un edificio monumental. Así, gracias a Antonio Ledezma y Adriana Meneses, se da el primer paso para crear lo que en mucho tiempo fue un sueño del sudoeste caraqueño; un centro abierto, permanente, proporcional a las exigencias culturales de una colectividad que, desde Antimano hasta San Juan, encierra casi 500.000 habitantes. Nace entonces en Abril de 1993 el TEATRO SAN MARTÍN DE CARACAS y posteriormente la SALA TEXTOTEATRO. Dos espacios inéditos que ya forman parte de la tradición de la comunidad
Y fue precisamente con NUNCA DIJE QUE ERA UNA NINA BUENA la pieza con la que se estrenó la SALA PRINCIPAL del teatro luego de un año de trabajos para rescatar lo que antes fuera una edificación abandonada. Inició entonces el TSMC su camino como primer centro cultural de comunidad, definiendo por vez primera lo que es el Teatro de Comunidad en Caracas y convirtiéndose en un espacio que hoy alberga dos salas de teatro y dos de ensayo, con una interesante variedad de grupos que utilizan estas instalaciones para el ensayo, la representación de teatro y como centro educativo artístico para la comunidad, con una media de 3 grupos mensuales presentándose en sus distintos espacios.

CELCIT-Argentina. Bolívar 825. (1066) Buenos Aires. Teléfono/fax: (5411) 4361-8358
Presidente: Juan Carlos Gené. Director: Carlos Ianni. e-mail: correo@celcit.org.ar 

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