Una crisis que no es puro teatro (Argentina)

El funcionario decidió el paso al costado tras la polémica originada por el decreto que cambió el esquema de funcionamiento del Instituto Nacional. “Nunca fui un impedimento para trabar consensos”, señaló. Paolantonio había pasado de ser director del INT a ser presidente. La presión de diversas entidades teatrales precipitó su renuncia. 
“En mi larga vida en el ámbito de la cultura, nunca he sido un impedimento para trabar consensos que puedan llevar a feliz término una iniciativa mal interpretada. Pero los debates y declaraciones suscitados a partir de la autarquía del Instituto exceden lo que mi propio sentido de la dignidad personal puede soportar, pese al sostenido aval que siempre he recibido de esa secretaría.” Este es uno de los párrafos de la renuncia que el ex director ejecutivo y reciente presidente del Instituto Nacional (un cambio de figura legal que desató polémica), José María Paolantonio, envió al secretario de Cultura, Rubén Stella, vía e-mail desde Misiones, originando una crisis en el ámbito. El santafesino Paolantonio se encontraba en el momento de esta decisión en Ciudad del Este, organizando el Festival de las Tres Fronteras. 
El controvertido decreto, vigente desde el lunes, modifica el esquema de funcionamiento del INT, organismo dedicado a la difusión y promoción del teatro de manera federal. En opinión de los integrantes del Consejo de Dirección vulneraba su carácter colegiado. A dos días de la reestructuración, el secretario Stella había analizado en conferencia de prensa los supuestos beneficios de los decretos 815 y 817 que modificaban la Ley de Teatro 24.800, postura que sostuvo a posteriori ante representantes provinciales y miembros de la Comisión. Con la idea de organizar una mesa de trabajo “para analizar el decreto y mejorarlo entre todos”, insistió entonces en la conveniencia del cambio de entidad legal del INT (a ente público no estatal) como única vía para conseguir su autarquía financiera. Pero ante el rechazo de sus interlocutores a los nuevos decretos, debió aceptar el pedido de derogación y considerar solo la restauración de la autarquía. Esto debido a que desde su creación el INT no pudo ejecutar su propio presupuesto. 
En ese contexto, la renuncia de Paolantonio no fue una sorpresa. Se contaba incluso con la de la vicepresidenta Miriam Strat. Desde el campo opositor a la reestructuración del INT, el actor Pablo Bontá, representante por la ciudad de Buenos Aires, adelantó a Página/12 los pasos a seguir. “La nueva situación impone la reunión de todo el Consejo con el jefe de Gabinete, Alfredo Atanasof”, sostuvo. “Mientras tanto, estamos citando a un especialista en asesoría gubernamental para elaborar el encuadre legal de la nueva propuesta.” 
La polémica que produjo la renuncia de Paolantonio se originó cuando aún no había finalizado la Fiesta Nacional del Teatro, que este año tuvo su sede en Mendoza. Fue en esta ciudad donde se conoció el borrador del decreto que generó el malestar general entre los teatristas participantes, quienes vieron en la modificación un recorte de atribuciones. Estas se encontrarían en adelante en manos de un presidente (el nombrado era Paolantonio) y un vice (Miriam Strat), asignando a la Comisión funciones de asesoramiento y planificación, pero –según se dijo– restándole carácter ejecutivo. La oposición de teatristas, de representantes de salas y otros miembros de la Coordinadora Multisectorial de los Trabajadores de la Cultura (entre las que figura la Asociación Argentina de Actores) y de personalidades de la escena, como Alejandra Boero, Roberto Cossa, Mauricio Kartum y Rubens Correa, entre otros, precipitaron la decisión de Paolantonio. Todos ellos adhirieron al rechazo del decreto, informando además sobre la puesta en marcha de un plan de acción para lograr su anulación y la convocatoria a asambleas y movilizaciones en cada una de las provincias. 
Rafael Bruza, Angel Quintela, Oscar Németh, Marcelo Lacerna, Ariel Molina, Carlos Catalano, Raúl Dargoltz, Alejo Sosa, Héctor Tealdi, Jorge Ricci, integrantes de la comisión, informaron a Página/12 respecto del pedido de próximas reuniones con integrantes de la Comisión de Cultura de Diputados y Senadores. Se dijo que la reacción en contra de Paolantonio se agudizó al tomar conocimiento de que éste había tomado parte en la redacción del decreto sin habérselos comunicado. Este reproche no surge sin embargo del texto de la renuncia, en el cual el ex director del INT señala que “ésta no es la oportunidad para entrar en señalamientos puntuales”. Solicita en cambio una auditoría general del “estado de cuentas y fiscalización de gastos de todo el Instituto que he ordenado se mantenga sobre todas las presiones que ya han comenzado a ejercerse en sentido contrario”.

Cecilia Hopkins e Hilda Cabrera. Página 12. 12 de abril de 2003

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“La alternativa que tenemos es protestar y seguir produciendo” (Argentina)

El actor y director Ricardo Bartís explica las implicancias sociales y políticas de “Donde más duele”, una obra que argentiniza los contenidos del mito del Don Juan, un tema caro a la dramaturgia. 
¿Qué nos dice un mito? En principio nos comunica con las culturas en las que sobrevive y con una zona intermedia entre la ficción y la realidad, entre la vida y la muerte. El actor y director Ricardo Bartís, fundador del Sportivo Teatral (grupo, taller y teatro), estrena el viernes una obra que tiene como punto de partida la sustancia mítica del Don Juan teatral. Se titula Donde más duele, y ya tiene acordadas varias giras por el exterior. En una primera etapa se presentará en el Sportivo, de Thames 1426, los viernes y sábados a las 22, y domingos a las 20. Se trata de una coproducción con festivales y teatros europeos, cuyos programadores vieron parte del trabajo de Bartís, a quien pertenecen la dramaturgia y la dirección. Fue invitada al Festival de Avignon, Hebbel Theater, Holland Festival, Théâtre National de Chaillot y la Banlieieue Scéne. Como en El pecado..., se ha limitado el número de espectadores: no más de 60 por función. “En Europa se resistían. Les parecía demasiado poco. Finalmente allá será de 80”, cuenta Bartís en la entrevista con Página/12. 
La obra comenzó a gestarse en el trabajo conjunto con las actrices, “extraordinarias”, como puntualiza el director refiriéndose a María Onetto, Gabriela Ditisheim y Analía Couceyro. A ellas se sumó luego Fernando Llosa. “Este es un trabajo de dirección: de organizar materiales, improvisar y elaborar situaciones de modo que se sostengan por sí mismas y convivan de manera poco solemne –precisa–. Utilizamos dos frases textuales tomadas del Don Juan, de Molière, y otra de Rey Lear, de Shakespeare.” Del equipo participan Jorge Pastorino, en el diseño de luces, y Carmen Baliero, aportando una partitura original. “Le debo gratitud al escritor Ricardo Piglia, quien nos estimuló en nuestro trabajo. Fue muy generoso y entusiasta”, refiere Bartís. En cuanto al título elegido, señala que éste implica una interrogación. “¿Qué es lo que más duele? ¿La sexualidad, el desencuentro, el pasado vivido o este presente de atrocidades y vaciado de mitos?”, se pregunta. 
–¿Es que no existen mitos contemporáneos verosímiles?
–Lo que existen son fetiches, sustitutos degradados de mitos. 
–¿Como se manifiesta Don Juan en un mundo sin mitos?
–Parecería ingenuo plantear en esta época el tema de la sanción sobre la conducta de Don Juan, pero no la sanción en sí. La sexualidad es uno de los pocos misterios no totalmente develados del ser humano. Un territorio que por un lado nos acerca a lo animal, y, por otro, la conciencia que tenemos de esta zona nuestra nos separa y proyecta a otros ámbitos. En Donde más duele, trabajamos sobre el mito del varón que seduce, promete y no cumple. 
–¿En qué sentido esta obra es una reflexión sobre el teatro? ¿El teatro es también un mito?
–Nosotros vamos a la búsqueda de un lenguaje que pueda enfrentar a esta época. El teatro que acumula ciegamente tradiciones castra lo que podría convertirse en elemento de movilización. Ese que tiende a representar y es pedagógico y académico no es más que un mito vencido y moribundo. Expresa una visión conservadora, como la que insiste en presentar a un Don Juan casi operístico. Nosotros decidimos partir de un Don Juan viejo y enfermo. Tampoco es el centro en la obra. Ese lugar lo ocupan tres hermanas que tienen una relación con él. Son las visiones de estas mujeres sobre ese vínculo las que determinan cada situación. El tema es Don Juan, pero no nos quedamos en eso. Es cierto que hay obligaciones que soportar, como algunas reglas escénicas, pero intentamos escapar creando instantes que fracturen el orden del relato, que sean volátiles, poéticos y revolucionarios. 
–¿Por qué dice soportar?
–Para los que creen que el teatro es mera representación o ilustración de lo dado, no hay nada que soportar. Pero la visión del teatro que a mí me interesa es la que no parte de algo previo, a no ser ciertas reglas de escena, como las espaciales, por ejemplo. 
–Pero se supone que existe alguna idea previa...
–Sí, pero como excusa para desarrollar temperaturas, velocidades y elementos externos a ella. En los ensayos, hubo momentos en que teníamos miles de textos de toda índole, improvisaciones y cosas relacionadas con aspectos de la mitología de los argentinos. Tampoco podía ser de otra manera. Donde más duele sucede en el patio de una casa de Buenos Aires. Los espectadores van a ser ubicados en el patio del Sportivo. 
–¿Cómo sería un Don Juan argentino?
–Un hombre arruinado que sufre el desencuentro de sus sueños con la realidad y lo único que le queda es la repetición de una conducta. En la obra está presente la mentalidad del castigo, que requiere de un ritual de muerte. Lo que se debe sacrificar es el cuerpo, en este caso los actores. A través de ellos y de la ficción poética, el teatro enuncia otra realidad. Por eso el teatro es político, y la política, como la religión, utiliza elementos teatrales poniéndolos a su servicio. Las lecturas ingenuas del funcionamiento de lo social no capturan esa cualidad singular y erótica de la ficción ni la naturaleza mentirosa de la política. De lo contrario no nos asombraríamos de que personajes como Menem tengan posibilidades de llegar al ballotage. 
–¿Es necesaria la muerte como castigo?
–Los poderosos necesitan sancionar para sostener sus andamiajes. En Donde más duele, lo que cada una de las mujeres piensa de ese hombre es utilizado para ritualizar el castigo y desarrollar un enamoramiento de lo propio, de lo femenino puesto en el otro. 
–¿No hay nada romántico en este Don Juan que aquí se llama Reynaldo?
–Ni puede haberlo si lo trasladamos a una sociedad como la nuestra, que repite situaciones a sabiendas de que no existe posibilidad real de cambio. Salvo la percepción de un posible estallido, porque esta experiencia democrática nuestra no es sino el orden que imponen los poderosos. Las brutales represiones del 19 y 20 de diciembre de 2001 demuestran que podemos protestar, pero que eso tiene un límite. A diferencia de los siniestros personajes que componen nuestra dirigencia, muchos otros argentinos guardan nociones de progreso social que chocan con la codicia de poder de esa dirigencia. Vemos que esos modelos de vida fundacionales que a algunos nos inculcaron desde que éramos chicos han estallado. La alternativa es protestar, y seguir produciendo, porque la Argentina se sostiene por la gente que trata de hacer lo que cree que debe, y no por esa otra nefasta a la que no hay que perdonar. En esto, uno tiene un gran desencuentro entre las vivencias internas y la realidad. 
–¿Cree que hay conciencia de ese desencuentro?
–Quienes sostienen un pensamiento tradicional progresista no leen correctamente la realidad cuando se angustian ante la posibilidad de acceso al poder de personajes detestables. Pero se acabaron las dudas. Sabemos que no es privativo de Menem la exhibición de su propia corrupción. Los capos del mundo lo hacen sin problema, y no les va mal. Causa horror el sufrimiento y la muerte de las víctimas de la guerra en Irak y las del atentado a las Torres Gemelas, pero también la imagen de Bush abrazado a los bomberos sobre un terreno sembrado de escombros y muertos debajo, prometiendo revancha, alardeando seguridad y sonriendo. 
Hilda Cabrera. Página 12. 8 de abril de 2003 (Argentina)

LA ESCENA IBEROAMERICANA 

CHILE. 

Claudio Reyes vuelve al teatro con La cena de los idiotas

El montaje, dirigido por Rolando Valenzuela, se estrenaría en junio en el Teatro San Ginés.
Un imbécil. O más bien, un supuesto imbécil. Ése será el personaje al que dará vida Claudio Reyes en La cena de los idiotas, la obra del francés Francis Veber y que bajo la dirección de Rolando Valenzuela se estrenaría a mediados de junio en el teatro San Ginés.
Juan Pablo Sáez, Agustín Moya, Silvia Novak, Karim Lela y Francisco López actúan en esta obra que, según el mismo Veber, escribió para demostrar que los verdaderos idiotas son los que te humillan.
¿Cuál es la trama? Un ejecutivo joven comparte una singular afición junto a sus amigos: cada miércoles invita a su casa a un desconocido que ha sido seleccionado por el hecho de tener alguna afición estúpida. Esta vez, el escogido es un funcionario público que tiene la manía de hacer maquetas gigantescas con palos de fósforos (Reyes). Cuando este idiota llega a la casa del ejecutivo, sin querer, logra que su anfitrión sea abandonado por su mujer, por su amante, y por su médico.
Reyes, popular por su Charly Badulaque, está feliz con su nuevo personaje teatral. Es que se siente bastante reflejado. Desde que empecé a estudiar teatro me apuntaban con el dedo porque decían que estudiaba para ser un muerto de hambre y para ser un tony, y yo soy feliz de ser un payaso... También he sido víctima de discriminación por parte de algunos de mis propios colegas, que han sido mis peores verdugos, por no pensar políticamente como ellos, dice el actor.
Y sigue: En esta obra los que se creen listos son desenmascarados por un imbécil. Al que le queda el zapato que se lo ponga.
El director Rolando Valenzuela (Locura de amor) explica que en La cena... el trabajo gravita sobre la capacidad histriónica de los actores. Y Reyes calza perfecto: Porque además de ser un gran actor es disciplinado, sabe escuchar muy bien, y es súper creativo, dice Valenzuela. Juan Pablo Sáez aporta un dato: cuando Jesús Cimarro, gerente de la productora española Pentación (a cargo de los derechos de la obra), entrevistó a Reyes no paró de reir.
Verónica Marinao. El Mercurio. 9 de abril de 2003

CHILE. 

Teatro Aparte: No montamos éxitos probados en otros lados

Uno de los grupos más taquilleros de la escena chilena estrena este miércoles 23 su quinto montaje: Dementes.
Estos pacientes no son tan locos y el siquiatra tampoco es tan cuerdo. Elena Muñoz da pistas del tono que tendrá Dementes, la nueva comedia de la compañía Teatro Aparte que ella dirigirá desde el 23 de abril en la sala Alcalá. Con los argumentos generacionales como marca registrada - su último estreno Yo, tú y ellos (2000) abordó la paternidad- , la compañía ahora quiso variar y buscaron la asesoraría de un siquiatra. El tema de la obra lo permitía: los problemas sicológicos de los adultos.
Durante el año pasado llevaron a los personajes a la sicoterapia. De esa experiencia nació Dementes. La obra muestra a un siquiatra (Rodrigo Nuñez), que guarda pequeños traumas frente a su ex-esposa y su familia actual, mientras en su consulta desfilan una mujer separada, una inválida y un militar que lidia con su hijo, entre otros personajes.
LOS ZAPATOS NEGROS. Magdalena Max-Neef, Rodrigo Bastidas, Gabriel Prieto, Josefina Velasco son parte estable de Teatro Aparte. Para esta obra sumaron a Benjamín Humeres. La compañía nació en 1987 y cuatro años después lograron un hito: ¿Quién me escondió los zapatos negros? estuvo tres años en cartelera.
Pero las cosas han cambiado en una década. Hoy lo que predomina son los textos taquilleros importados. Elena Muñoz analiza: No montamos éxitos probados en otros países. Son obras que se nos ocurren y nadie ha visto antes. Gabriel Prieto defiende esa postura, aunque reconoce que es un riesgo tremendo: Nuestras obras no son ni 'Proof' ni 'Los monólogos de la vagina', y no es una crítica porque el teatro sin público es un lujo.
Hasta ahora ni las modas ni el tiempo han logrado dividir al grupo. Rodrigo Bastidas tiene una teoría: la fórmula es la amistad. Hay una estrecha relación entre nuestra vida y nuestra forma de trabajo. Lo dice porque a pesar que los problemas surgidos al interior de la compañía siempre han seguido juntos. Elena Muñoz lo confirma: En estos años han existido separaciones o problemas con los hijos. Cuando sucede respetamos al compañero y le tenemos paciencia. Es más fácil así. La confianza siempre es un plus; como todos saben lo que pasa, nadie pregunta.
Andrea González. El Mercurio. 11 de abril de 2003

COLOMBIA. 

Teatro Esquina Latina cumple 30 años

Una institución comprometida con la consolidación de una dramaturgia nacional, que toma como matera prima la realidad colombiana, sus problemas socioeconómicos, políticos y a los sectores populares. 
Esquina Latina fue fundada, en 1973, por un grupo de estudiantes de la Universidad del Valle, que lideró diversas actividades como el I y II Festival Nacional de Teatro Universitario y representó a Cali y al occidente colombiano en seis festivales nacionales del nuevo teatro, al igual que en varios eventos internacionales. 
Para celebrar sus tres décadas, la institución tiene programadas unas jornadas culturales, que tendrán lugar en el Valle del Cauca y en el norte del Cauca. Además, tiene previsto, para mediados de año, el estreno de su nueva obra Alicia adorada, en Monterrey, que lleva música vallenata compuesta por Orlando Cajamarca, director del grupo desde hace 20 años. 
El Teatro está desarrollando las temporadas 'Puestas escénicas', en las que presenta sus obras de repertorio, e igualmente tiene un proyecto de extensión comunitaria, que consiste en organizar grupos teatrales en los diferentes municipios del Valle y el Cauca, que integran la Red Popular de Teatro. Esta hace un teatro de acción social como una alternativa para vincular a los jóvenes y combatir así la marginalidad sociocultural que se presenta en estos sectores. 
"El teatro como escuela -dice Cajamarca-, como expresión de lo humano, como expresión creativa, que ratifica la condición humana, genera en los procesos populares autoestima, pertenencia, estimula el desarrollo y es una herramienta fundamental para crear procesos de desarrollo que procuren que los sectores mas oprimidos avancen hacia la búsqueda de soluciones justas y equitativas". 
Elizabeth López Palma. El Tiempo. 9 de abril de 2003

ESPAÑA. 

Servidumbres del artista
Escenas de una ejecución, en Salamanca 

Producida inicialmente en catalán, Escenas de una ejecución se representa en castellano por varias ciudades españolas, entre ellas Salamanca, donde recala los días 12 y 13 de abril en el Liceo. Original de Howard Barker, en ella el autor británico aborda el tema de las servidumbres del artista y de los falsos prestigios. Una obra codiciada por grandes actrices (Glenda Jackson) que en esta caso protagoniza Anna Lizaran.
Poder y arte son un matrimonio mal avenido. Y Galactia, pintora disidente de la República de Venecia, puede dar prueba de ello. Recibe el encargo de pintar un gran óleo sobre la victoria de Lepanto, pero ella prefiere que de su paleta surjan los horrores de aquella guerra, que su obra refleje las Escenas de una ejecución. Las contradicciones, las presiones, los anhelos de libertad de Galactia son desde hace meses los que vive Anna Lizaran, protagonista del texto que escribió Howard Barker y que ha dirigido Ramón Simó. La producción, que triunfó en el escenario del Teatre Nacional de Catalunya en abril del año pasado, realiza actualmente una gira por España en castellano antes de regresar a Barcelona, de nuevo en catalán, el próximo mes de mayo.
“Cuando estrenamos este texto el año pasado, buscaba referencias para mi trabajo en las históricas relaciones entre el poder y el arte. Ahora, en cambio, a veces, al decir alguna de las frases escritas por Howard Barker, no puedo dejar de pensar que eso es lo que acabo de ver en el telediario. Escenas de una ejecución está totalmente vigente pero, además, es que tiene la gracia divina de que, siendo un texto contemporáneo, es absolutamente comprensible para el público. Es visceral. Y, además, no da la razón a ninguna de las partes; los pinta a todos como vencedores y a todos como perdedores. Crea dudas en el público y le obliga a posicionarse”, explica Anna Lizaran que no escatima piropos para con la pintora. “Es uno de los mejores papeles para una actriz. Es una mujer enérgica, llena de amor, de genio, de poesía, de humor. Es una mujer temperamental”, explica Lizaran que ya intentó subir a Galactia a los escenarios hace unos años, cuando Núria Espert le cedió los derechos sobre el texto. “Coincidió con la muerte de Fabià Puigserver y tuve que olvidarlo”, recuerda la actriz, satisfecha de haberlo retomado ahora y, también, de los papeles –El jardín de los cerezos, Esperando a Godot– que ha defendido en los últimos años: “Sé el teatro que no quiero hacer y sólo me interesa el que me permita enriquecerme y enriquecer al espectador”.
CÓMO LLEGAR AL PÚBLICO. “Siempre he defendido que los discursos elaborados, que los espectáculos que plantean interrogantes, que hablan de cuestiones interesantes para el público, son capaces de llegar a los espectadores”, asegura Ramon Simó quien, de todas maneras, reconoce que cuando se enfrentó al texto de Howard Barker no estaba convencido de cuál sería el resultado. “Estoy harto de que el teatro se llene de obras vacías de mensaje y preadolescentes”, añade el director que, desde hace unos años, ha fijado su mirada en textos que diseccionen las guerras y también los usos y abusos del poder.
“Ahora parece que la gente está tomando conciencia de la realidad que le rodea, que se la están cuestionando, y esto debería trasladarse también a los escenarios teatrales”, apunta el director, cuyos deseos coinciden con los de Anna Lizaran: “Es lícito que el público quiera evadirse, pero también debe haber obras que enriquezcan el alma. El teatro público debe cumplir con su misión de intentar despertar a los espectadores, de enriquecerlos además de darles la posibilidad de que se evadan”, concluye la actriz, que encuentra apoyo para defender los principios de Galactia en los actores que le acompañan sobre el escenario, un amplio elenco en el que destaca Ramon Madaula.
La obra se representará también en Mahón (día 23 de abril), Palma de Mallorca (25 al 27 abril), Manzanares (1 mayo) y Toledo (3 mayo), Ciudad Real (8 mayo) y Granollers (10 mayo).
Nuria Cuadrado. El Mundo. 10 de abril de 2003

ESPAÑA. 

¿Dos? Borja Ortiz de Gondra estrena su ópera prima 

Llega la puesta de largo de la ópera prima del dramaturgo Borja Ortiz de Gondra. Experimental y abstracta, ¿Dos? se estrena el 10 de abril en la Triángulo de Madrid dirigida y protagonizada por la argentina Paola Matienzo. El texto aborda el deseo entre dos mujers y los fantasmas del pasado.
En blanco y negro, alejada del realismo de los colores. Esta es la apuesta estética de la compañía “Ya te llamaremos”, creada por la actriz y directora argentina Paola Matienzo, que lleva a escena un texto que entraña dificultades para su dirección e interpretación debido al alto grado de abstracción de su lenguaje. Escrita hace diez años durante un taller de dramaturgia, la obra tiene la frescura y la valentía de las óperas primas, además de un complejo lenguaje no encorsetado en los límites tradicionales. 
¿Dos? apunta formas y temas como “la imposibilidad de la diferencia o el desarraigo de la inmigración” que Ortiz de Gondra abordaría en obras posteriores como Dedos, dirigida por Eduardo Vasco, o Exiliadas, llevada a escena por la compañía sevillana Atalaya. 
EXTERIORIZAR EL PENSAMIENTO. Sin cortapisas, el autor se propuso atrapar en la palabra “lo que sucede en la cabeza”, comenta. Siguiendo la estela de Virginia Woolf o de James Joyce, el creador exteriorizó el pensamiento interior, creando aquí un “discurso psicológico, experimental y nada naturalista”, reconoce Ortiz de Gondra. 
El reencuentro en Francia de dos mujeres vascas que habían vivido su particular romance es la excusa creada por el autor para reflexionar sobre “el pasado y su confrontación con el presente, la dificultad de asumir los fantasmas pretéritos, el respeto y la lucha”, dice Ortiz de Gondra, quien ha revisado el texto junto a Matienzo, cambiando algunos aspectos –como un soterrado nacionalismo de una de ellas que podría ser malinterpretado–. 
Las protagonistas, aparentemente antagónicas, “o se aferran a su pasado, manteniendo vivos sus ideales, o se inventan una nueva vida”, aclara el director, que ya está preparando su siguiente proyecto, un montaje multidisciplinar y de gran formato. 
Matienzo ha explotado la expresividad de los silencios en este texto abstracto y complicado. “Su falta de convencionalismo se traduce en un esfuerzo cretativo por nuestra parte. Su estilo es tan novedoso que sugiere ideas que no están escritas”, dice la directora, que interpreta al personaje que decide esquivar su pasado y rehacer su vida. 
Itzíar De Francisco. El Mundo. 11 de abril de 2003

MÉXICO. 

Recrean la muerte de un migrante 
'El ausente', de Víctor Hugo Rascón, es considerada una obra 'intima y desgarradora'.
Hace un año, antes de que experimentara la enfermedad que le hizo permanecer dos meses en el hospital, Víctor Hugo Rascón Banda estuvo inmerso en la escritura de una obra teatral que devino "íntima y desgarradora" y la ha colocado en un lugar especial por haber sido creada "con el corazón en la mano", tras compararla con el resto de su producción dramatúrgica,
Quiso que el estreno mundial de la pieza estuviera a cargo de Contigo América con motivo de los 22 años de vida de la agrupación teatral independiente fundada por dos uruguayos, Blas Braidot y Raquel Seoane, quienes pidieron asilo político en México en el año de 1976.
Durante el montaje ocurrió la muerte del director, Braidot, pero los miembros del grupo y los actores invitados decidieron darle vida al texto en el que Rascón Banda logró "calar hondo" en cada uno de los personajes, a decir de Seoane, actriz que tomó las riendas de la puesta en escena conservando el espíritu original de su antecesor.
A partir de hoy a las 20:00 horas podrá conocerse el destino de la familia de un migrante tras su muerte en el desierto de Arizona, anécdota de El ausente, obra que se representará en el Foro Contigo América (Arizona 156, Colonia Nápoles) con las actuaciones de Enrique Ballesté, Berenice Camacho, Pablo Jaime y Batimore Beltrán, entre otros.
"No deseamos remarcar el tono trágico, sino el devenir sencillo de una vida cotidiana en la que prevalece la ausencia del amor y la comprensión por el Otro, de aquella gente que no muestra sus sentimientos creyendo que eso la hace vulnerable y acaba en el encierro", agregó Seoane.
Rascón Banda no ha tenido oportunidad de ver los ensayos de El ausente, pero los integrantes de Contigo América se reunieron con él en la sala de su hogar y en esa ocasión el también presidente de la Sociedad General de Escritores de México les comentó que se trataba de una obra "entrañable" y que la había escrito pensando en sus padres.
"Es una reflexión en la que el dramaturgo plasma su preocupación amorosa por los familiares que afrontan el fallecimiento de un ser querido, así como por la muerte en vida de los ancianos, quienes con frecuencia están sometidos a la soledad y el abandono", según Beltrán.
En El ausente, los parientes de Pablo no logran resolver su partida y están inmersos en la añoranza y la evocación de su recuerdo. "No olvidar es no dejarlo morir", añadió el actor que también participó en el filme Cuento de Hadas para dormir cocodrilos de Ignacio Ortiz.
Seoane aseguró que puso el énfasis en la "sinceridad actoral", que significa la existencia de un compromiso afectivo de los intérpretes con los personajes, "que palpiten al unísono".
El estreno de la pieza estaba programado para el 4 de abril, pero enfrentaron problemas de producción, aclaró la fundadora de Contigo América, grupo que se ha identificado por su "teatro comprometido que aborda la condición humana" y que incluye en su repertorio obras latinoamericanas aunque sin dejar de lado la temática universal.
Julieta Riveroll. Reforma. 11 de abril de 2003

URUGUAY. 

El drama de ayer, los humores de hoy 

Dos novedades incorpora el circuito teatral montevideano. Un salón vecinal ubicado en el barrio Sur sirve de sala para una obra que deliberadamente eludió los escenarios convencionales de un recinto teatral. Con Ulrich, el niño que venció al viento un grupo de artistas coordinados por Yamandú Cruz rehace ciertas usanzas teatrales de otros tiempos, cuando obra y escenografía viajaban al lado de los actores para llegar a ciudades y pueblos distantes de las capitales. De hecho, Ulrich se hace en Montevideo luego de mostrarse en el interior uruguayo y lo hace preservando ese costado "marginal" casi como una frontera para que la obra no se convierta en un espectáculo, al menos en el sentido industrial de la palabra. 
También la historia contada tiene que ver con ese concepto. Aunque el texto es una creación colectiva en la que participaron Sergio Gorfain, Roberto Suárez, Soledad Pelayo y el mismo Yamandú Cruz, el argumento es el mismo de El pequeño héroe del arroyo de héroe: Ulrich es un niño que presenció el asesinato de su familia por parte del abuelo y heroicamente ofrece la suya para salvar a su hermana. 
Para mayor comodidad de los espectadores, el grupo teatral instrumentó un pequeño viaje a la sala: el público debe concurrir a la explanada municipal y desde allí sale un ómnibus hacia el salón que no está muy distante del lugar. Las funciones irán de jueves a sábados a las 21 horas y los domingos a las 19.30. Por reservas hay que llamar al teléfono 6005861. 
POLICIAL. En otro extremo de la ciudad, en la sala El Sótano del Carrasco Lawn Tennis, sube a escena Criminal, un título que no desmiente su vinculación con los relatos policiales y menos aún con los cinematográficos. 
Escrita por el joven dramaturgo argentino Javier Daulte (premio Asociación de Cronistas del Espectáculo), la obra parte del encuentro de un psicoanalista con un colega y de una situación que debe resolverse rápidamente. 
A través de sucesivas vueltas de tuerca se habla de la verdad, de lo que se dice y se oculta, de los vínculos matrimoniales que no tienen por qué ser tan claros. El humor tiene cabida en semejante agenda. 
La puesta es realizada por Alfredo Goldstein, quien tiene en su haber varios trabajos elogiados y premiados (Greek, Kvetch) y que recientemente levantara polémicas con La secreta obscenidad de cada día. En el elenco de Criminal se encuentran Hugo Giachino, Juan Antonio Saraví, Isabel Schipani y Daniel Bérgolo. La obra irá hasta fines de mayo, los lunes y viernes a las 21 horas. 
El País. 11 de abril de 2003

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