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ARGENTINA
Cinco meses de homenaje a Federico García Lorca
Desde ahora y hasta diciembre, en el histórico ámbito del Hotel Castelar de Avenida de Mayo, se desarrollará un ciclo de actividades culturales destinado a resaltar la vida y obra del gran poeta español, a propósito de su temporada de estancia en Buenos Aires, entre octubre de 1933 y abril de 1934.
El poeta Federico García Lorca residió en Buenos Aires entre octubre de 1933 y abril de 1934 y aquella estadía dejó una huella imborrable. Por eso, a poco tiempo de cumplirse setenta años de su llegada, la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad organizó una serie de actividades para homenajear al poeta. Durante todo este mes la propuesta estará destinada a las nuevas generaciones bajo el título “Lorca y los chicos”, para que los niños y adolescentes puedan sumergirse en el universo de García Lorca a través de talleres y encuentros. Las actividades durarán hasta fin de año y en los meses sucesivos las temáticas serán “Lorca y el teatro”, “Lorca y la poesía” y “Lorca y la música”, durante septiembre, octubre y noviembre, respectivamente. La sede del evento será el Hotel Castelar, en Av. de Mayo 1152, allí donde residió en Buenos Aires. Paralelamente, a través de la Subsecretaría de Patrimonio Cultural y la Dirección General de Casco Histórico, se realizó un concurso destinado a escenógrafos y la ganadora, Laura Molina, ambientará la habitación que ocupó Lorca en ese hotel.
Una de las actividades de este mes serán los talleres para chicos (20 y 27 de agosto a las 17) que coordinarán la psicóloga Cristina Lobaiza y la profesora Nora Balat. “Lorca es un poeta que se adapta desde los más chicos hasta los más grandes porque no es un poeta complicado”, señala Lobaiza que, además, destaca que se eligieron temáticas vinculadas con lo cotidiano y la naturaleza, entre otras. Buscando privilegiar la producción de escritura, la metodología a usar “parte de una lectura estímulo de una selección de poemas lorquianos. A partir de esta lectura se estimula en el grupo de chicos (entre 6 y 12 años) que pongan en común sensaciones, sentimientos, imágenes, reflexiones oralmente comentadas y también ejercicios de expresión corporal”, explica la psicóloga. Después de la lectura estímulo, el segundo objetivo es “que los chicos puedan pasar por el cuerpo y por la palabra todo lo que la lectura les haya inspirado. Lo tercero es animarlos y estimularlos a que lo pasen a un papel con la mayor libertad posible y en cualquier formato técnico: poesía, prosa, reflexiones personales, que tengan que ver con el tema o cuestiones derivadas”, concluye Lobaiza. Los talleres continuarán en septiembre, octubre y noviembre y apuntarán a adolescentes, adultos y tercera edad, respectivamente.
Paralelamente a los talleres se realizarán dos encuentros (hoy y el 31 de agosto a las 18.30) que tienen como finalidad acercar la poesía a los chicos (entre 9 y 14 años) coordinados por el poeta César Rojas y la tallerista Julia Hacker. En las actividades se trabajará con algunas canciones del autor. “El también era músico y tenía mucha afinidad con la canción popular. Realizó una recopilación de las canciones populares e hizo la versión para piano. Las partituras que se conservan son todas de carácter anónimo, pero se las conoce como las canciones de Lorca porque fue él quien hizo esa recopilación”, explica Rojas. Una de las características que va a tener el encuentro es que se jugará con el espacio. “El tema de la lectura lo planteamos así: ambientamos el lugar con poesías de manera que los chicos puedan recorrer el lugar y elegir alguna poesía que les guste y llevársela. Después plantearemos la actividad de creación colectiva a partir de los textos de Lorca”, dice el coordinador.
En septiembre, en el marco de “Lorca y el teatro”, se llevará a cabo Sangre derramada, una puesta en escena de los poemas de Lorca a cargo de María Balmayor, con música compuesta por Jorge Valcarcel. El título del espectáculo, Sangre derramada, alude a un poema que García Lorca le escribió a un torero muerto. Pero además tiene la intención de que “la sangre derramada es la vida de Lorca derramada en el escenario. Porque él cuando escribe pone todo su potencial, su sangre”, destaca Balmayor.
Durante todos los meses que dure la muestra–homenaje habrá representaciones de la peña “Signo”, que en los años ‘30 funcionaba en el subsuelo del Hotel Castelar y que reunía a intelectuales argentinos y extranjeros junto a numerosos artistas. Además de García Lorca, la visitaban Alfonsina Storni, Oliverio Girondo, Conrado Nalé Roxlo y Jorge Luis Borges, entre otros. Cada mes variará la representación. En septiembre se realizará un café literario en el que participarán profesores de letras del Colegio Nacional Buenos Aires. Una mesa integrada por exiliados de la guerra civil española será la actividad de octubre, mientras que en noviembre el grupo Sentimiento de Tango cruzará al poeta con el 2x4. En diciembre, como cierre de las actividades, se realizará “Decires de poesía de la década del ‘30 y contemporánea
argentina”.
Oscar Ranzani. Página 12. 10 de agosto de 2003
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ARGENTINA. “Hay un maltrato general”
Julio Chávez debuta como autor y director teatral. En su obra “Maldita sea (la hora)”, una situación de dominio familiar sirve para hablar de un estado de cosas en el que cada individuo se vale de todo recurso para imponerse sobre el otro.
Hace diez años que el actor Julio Chávez se inició en la escritura teatral. Comenzó desarrollando “situaciones”, luego creó obras cortas y después otras no tan breves. Editó incluso por su cuenta un libro con tres piezas de su autoría: Pobre angelito, Que la Pachamama espere y Maldita sea (la hora). Esta última es la que estrena hoy (y podrá verse sólo los viernes), a modo de debut como autor y director, en el Teatro Payró (San Martín 766). Lo que en principio fue un trabajo destinado a los alumnos de su taller, con los que realiza periódicas muestras, se convirtió en espectáculo integral. El tema central es el maltrato, y la interpretan Nora Bitar, Leandro Castello, Carolina Gaetmank, María Laura Occhi y Ernesto L. Vacarezza. Retrata a personajes (hermanas y un hermano, a los que se suma el marido de una de las mujeres) que viven en un sótano a expensas de la madre. Esta los mantiene con la condición de que cuiden de una niña “débil mental” integrante de la familia, y la “suban” a tomar el té con ella los domingos a una hora determinada. Maldita... comienza con un parlamento de la madre en off. La mujer está en la cocina, junto a su mucama Antonia, preparando una torta. Lo que dice es escuchado por los habitantes del sótano a través de un baby call.
Chávez cuenta con una experiencia en actuación de treinta años en teatro, habiendo recibido premios y destacándose en otras disciplinas. Entre sus trabajos en cine figuran Un oso rojo, El visitante, Un muro de silencio, La película del rey, Señora de nadie, El agujero en la pared, La parte del león y No toquen a la nena. En TV participó de “Par simple”, “Archivo negro” y, entre otros, de los unitarios “De poeta y de loco”, “Nueve lunas” y “Alta comedia”. Se inició en el teatro siendo adolescente. Egresó del Conservatorio Nacional de Arte Dramático, estudió con Luis Agustoni, Carlos Gandolfo y Lito Cruz, y actuación y dirección con Agustín Alezzo y Augusto Fernandes. Entre otros títulos, coprotagonizó El vestidor, junto a Federico Luppi, y participó en montajes de La gaviota, El pelícano, Fausto, En boca cerrada, Informe para una academia y El cuidador. Como artista plástico realizó exposiciones con su verdadero nombre, Julio Hirsch. Acaba de ser elegido por la cadena HBO para protagonizar una miniserie policial, que lo mantendrá ocupado entre octubre de este año y febrero de 2004. Aguarda, además, el estreno de un nuevo film de Santiago Loza, en el que actúa, y sigue escribiendo, pintando y cursando estudios de filosofía.
–¿Por qué los personajes de “Maldita...” resultan al mismo tiempo comunes y siniestros?
–Estas cinco “personitas” son espantosas, pero el lenguaje que emplean y sus actitudes son semejantes a los del hombre y la mujer de la calle. No intento utilizar artificios literarios, porque lo que me conmueve y me lleva a escribir es el lenguaje cotidiano. Estos seres creen estar habilitados para maltratar, y de una manera horrorosa. El maltrato que aparece en la obra es el habitual que nos golpea en la calle.
–Y donde el que lo sufre no sabe cómo se origina...
–Proviene, creo yo, del primer insulto “autorizado”. En la relación con el otro hay que tener cuidado con esas frases que oímos a diario, como “¡Callate, boludo!”, que dejamos pasar y se convierten en costumbre, en algo inevitable. Maldita... intenta mostrar el sometimiento entre personas, también a través del lenguaje que utilizan.
–¿Puede decirse que ese autoritarismo se transforma en una condena, puesto que los hijos relegados al sótano permanecen allí como si no pudieran hacer otra cosa?
–Ellos son incapaces de hacer algo para salir, actúan como si fueran parte de una manada. Se mueven como si tuvieran voluntad, cuando en realidad carecen de ella.
–Por momentos, impresionan como pensantes...
–Reaccionan, que no es lo mismo. Pensar significa tener la posibilidad de reflexionar. Ellos reaccionan como si fueran animales heridos ante elmaltrato, pero no afirman ningún punto de vista. Se limitan a decir “¡Callate la boca!” o “¡Qué hacés!”. Son unos “impresentables”, a los que su madre no quiere ver. Permanecen en ese sótano obligados a cuidar a una niña retardada a cambio de un techo, de un poco de agua caliente.
–El discurso de Gerardo sobre la debilidad mental parece, sin embargo, un intento por explicar la circunstancia en que se encuentran...
–Cada personaje guarda asuntos propios. Gerardo cree que el conocimiento es en sí una forma de solucionar problemas. Se parece a esas personas que creen que si entienden cómo es el proceso de una enfermedad, “van a poder” con ella. El saber intelectual no es suficiente, como no lo es la información como única herramienta para comprender un hecho.
–¿La situación por la que atraviesan estos personajes le fue inspirada por algún acontecimiento?
–No, pero se relaciona con cosas en las que me gusta detenerme. Me conmueven los modos que adoptan las personas para articular sus ficciones diarias. Eso de querer ganarle al otro, dominarlo y hasta humillarlo con actitudes que en otro contexto podrían calificarse de insignificantes. La sarta de bestialidades que alguien es capaz de decir a otro por una tontería revela una interioridad que asusta. Me interesa fijar la mirada en esos “disparadores”, que comunican mucho más de lo que se aparenta.
–¿Piensa que esa forma de relacionarse es particular de los argentinos?
–No. Es un fenómeno humano, como las categorías que imponemos a nuestro comportamiento. Si el que toca el timbre de nuestro departamento es el portero, a uno no le importa recibirlo descalzo, pero si el que llega es un abogado uno se pone los zapatos. Nuestra conducta, positiva o no, a nivel social, es la que además queremos estampar en el otro. De todo eso que sucede en la cotidianidad, siempre me asombró comprobar que de la infinidad de impresiones que recibimos, sólo somos capaces de expresar muy pocas. Saliendo de un bar vi a dos chiquitos hablando de una camiseta de fútbol. Cuando uno empezó a decir “¿Sabés lo que me gusta de la camiseta...?”, el otro lo cortó con un sonoro “No, boludo, ¿sabés lo que pasa...? El chico, de unos ocho años, no había articulado lo que sentía, cuando el otro, que quizás era su amigo, se lo impidió diciendo qué cosa le pasaba a él. Me dije que esa escena podía ser el comienzo de un fin, el comienzo de un sometimiento. Si relaciono impresiones como ésta con “mi salida” como autor y director, el teatro se me aparece como un espacio donde puedo proyectar mi mirada sobre algunos asuntos sin que nadie, al menos mientras dure la función, se atreva a decirme ¡Callate! Después, a la salida, podrán decirme “No, boludo, sabés lo que pasa...” Pero ése es otro tema.
Hilda Cabrera. Página 12. 8 de agosto de 2003
CHILE. El último y más codiciado éxito de Yasmina Reza llega a la escena local
El segundo texto más popular de la autora de Art será dirigido por Alejandro Castillo.
En junio de 2001, en París, el actor y director Alejandro Castillo vio el último montaje de la autora de Art, Yasmina Reza: Tres versiones de la vida o Trois versions de la vie en su título original. Aunque estaba en la ciudad luz para asistir a un encuentro de Roland Garros, no dudó en perseguir los derechos del texto hasta hoy.
Escrita el 2000, la obra narra tres variantes de la vida de un matrimonio formado por un astrofísico, Henry, y su esposa Sonia. La historia de diálogos hilarantes y frases incisivas se inicia cuando el jefe de Henry, Hubert, y su pareja Inés llegan a cenar a la casa de su empleado por equivocación.
En Chile la obra era codiciada por otro actor, Cristián Campos, quien protagonizó Art en 1999. Campos incluso ya había traducido el texto y estuvo en negociaciones para quedarse con los derechos, pero perdió. Las condiciones de los representantes nos parecieron muy elevadas, justifica Campos.
Alejandro Castillo sí logró los derechos -que para Latinoamérica posee la agencia argentina F&F-, que tiene cláusulas muy exigentes. Éstas incluyen conocer la sala en que se montará, aprobar el elenco y cualquier sugerencia en la traducción. De hecho, Tres... fue traducida por los argentinos Federico González del Pino y Fernando Masllorens, los mismos tras la versión en español de Art y de otros títulos como La cena de los idiotas y Monólogos de la vagina.
Castillo explica su interés en la obra: Es un fenómeno que se ve en teatro cada 20 o 30 años. ¿Cuáles son los temas de Reza? Según Castillo, las dos obras más populares de la autora, Art y Tres.., asumen que todas las actividades humanas, tanto el arte como la ciencia, están sometidas a las leyes del mercado. Esa es su ironía, dice. El director agrega que otros temas que aborda Reza en esta obra son el poder, la seducción y la paternidad tardía. Y concluye: Me fascina su agudeza y la nobleza de sus personajes.
Castillo ha montado obras de otros franceses como Marguerite Duras (Savannah Bay y El mal de la muerte) y de Copi (La noche de Madame Lucienne). Aunque Tres... no ha definido elenco, espera estrenar en enero.
¿Quién es la autora ?
La dramaturga y actriz francesa Yasmina Reza nació en París en 1959. Es hija de un comerciante ruso-judío y de una violinista húngara. Su nombre se hizo conocido gracias a Art, uno de los textos más exitosos de los escenarios internacionales. Su obra Tres versiones.. se estrenó el 2000 simultáneamente en Viena, París y Atenas. A principios de 2001 la propia Reza actuó en la versión francesa. En Broadway, la protagonizaron John Turturro (Barton Fink) y Helen Hunt (Mejor imposible). A pesar de la buena acogida en el mundo, en Nueva York las críticas fueron dispares.
Art, que ha sido traducida a 25 idiomas, terminó su temporada en Londres en enero pasado, después de casi siete años en escena. En Chile, Art fue montada en 1999 por el Teatro de la Universidad Católica. La vieron 70 mil personas. Fue dirigida por Claudia Echenique, con la actuación de Alberto Vega, Willy Semler y Cristián Campos.
Andrea Gonzalez. El Mercurio. 9 de agosto de 2003
COLOMBIA. Grupo 'La Fanfarria' de Medellín recibe homenaje en el Teatro Colón de Bogotá
Lo hará con 'Constelaciones', el más reciente montaje del grupo y que se divide en siete escenas.
Son: el carnaval de la luna niña, la fertilidad, el romance, el placer, la guerra y el fin. Es un viaje lúdico en el que la historia, de muy pocas palabras, se cuenta a través del movimiento de los muñecos, la luz y la música. La pieza es una especie de sueño o fantasía poética en la que los hombres viajan al universo a buscar elementos de la vida: la fertilidad, el carnaval, los sentidos, la guerra y un nuevo amanecer".
El montaje, dirigido por Jorge Luis Pérez, se presentará el próximo domingo y el 17 de agosto, a las 11 a.m. "Es un homenaje que le hace el Teatro Colón al esfuerzo por permanecer vigente y al trabajo de cariño y entrega de este grupo", agrega Ochoa.
La Fanfarria cuenta con sede propia en Medellín desde hace 26 años y tiene varias obras de repertorio como Cuartico azul, Colorete y la loca, Los sueños de Dios, Pantagruel, El negrito aquel y Los buenos vecinos.
Quedan dos domingos para ver la obra más reciente de esta agrupación paisa titulada 'Constelaciones', se presenta en el Teatro Colón.
Han sido tres décadas, tiempo completo, dedicadas a la puesta en escena del teatro de muñecos y objetos para todos los públicos. En ese lapso, el grupo La Fanfarria fue declarado patrimonio cultural de Medellín por la alcaldía de dicha ciudad y ha llevado sus obras a muchos países del mundo. Ahora, hace una temporada en Bogotá, los domingos en el Teatro Colón, con su obra Constelaciones.
"Somos un grupo pionero en Colombia en el teatro de muñecos -dice Ana María Ochoa, titiritera y productora ejecutiva de La Fanfarria-. Somos el punto de partida en cuanto a técnicas experimentales y modernas en este género". Lo son, explica, a partir de experimentación con todos los materiales posibles, el poliuretano, la luz, el movimiento de los muñecos. Cada espectador puede construir su propio cuente desde su punto de vista.
El Tiempo. 7 de agosto de 2003
COLOMBIA. Temporada de repertorio de La Candelaria
Comenzó la temporada de repertorio en el Teatro La Candelaria. Esta semana y hasta el 16 de agosto se presenta El Paso, clásico de esta corporación, resultado de la creación colectiva que hace referencia a los comienzos del narcotráfico en Colombia. Le seguirá la versión de El Quijote, con texto y dirección de Santiago García, del 20 al 30 de agosto.
Continuarán las funciones de En la raya, del primero al 11 de octubre; De Caos & Deca Caos, del 15 al 25 de octubre, y Manda Patibularia, del 28 de octubre al 2 de noviembre. Calle 12 No. 2 -59. Funciones de miércoles a sábado, a las 7:30 p.m.
El Tiempo. 7 de agosto de 2003
CUBA. Al Nacional en agosto
Clásicas piezas teatrales en nuevas versiones escénicas serán el atractivo principal de las temporadas que para agosto anuncia el Teatro Nacional de Cuba en sus salas.
La Covarrubias estrenará el día 12 ( 8:30 p.m.) una Madre coraje y sus hijos a cargo del grupo Plaza Vieja bajo la dirección de Huberto Llamas y con la espectacularidad de presentar en su primera función un reparto especial integrado por Teresita Rúa, Aurora Pita y María de los Ángeles Santana asumiendo todas a la Madre en diferentes etapas de su vida.
Estas estelares intérpretes cubanas darán un interés extra al personaje principal de esta antológica pieza de Bertolt Brecht que también contará con el aporte de Herminia Sánchez durante el resto de la temporada.
La sala Avellaneda ocupará su escenario de verano a partir del día 14 de agosto (de viernes a domingo) con Blanca Nieves, en una producción de la compañía infantil La Colmenita.
La agrupación que dirige Carlos Alberto Cremata está lista para el estreno de su versión del clásico cuento infantil y solo espera por los esfuerzos de TecnoEscena para cumplir con la fecha de inicio de su nuevo espectáculo.
El Teatro Nacional de Cuba y su sala Avellaneda también esperan el 9 de septiembre por una presentación especial y única del maestro Chucho Valdés. De acuerdo con la información ofrecida por Nisia Agüero, directora de la institución cultural, el gran maestro de jazz celebrará aquí el aniversario 30 de Irakere luego de su gira por Inglaterra.
Andrés D. Abreu. Granma. 8 de agosto de 2003
VENEZUELA. Las troyanas traen sus gritos de paz
De Eurípides bajo la mirada de Alberto Rowinsky.
La paz es el principio y fin de Las Troyanas de Eurípides; pero ha sido la guerra y su horror, quien la ha traído de vuelta a la cartelera venezolana, con versión de Jean-Paul Sartre y la interpretación de Alberto Rowinsky y el Teatro del Silencio.
Victoria Roberts, Gladys Seco, Eliana Lopez, Nova Rowinsky, Natalie Cortez, Dorian Lefebre y el propio Rowinsky estelarizan esta pieza que 'lanza un contundente mensaje contra la guerra... ningún ser humano en el 2003 puede estar de espaldas a un horror que pende sobre nuestras cabezas'. El actor y director hace alusión directa a la guerra en Irak, a la vivida una década atrás, y al conflicto que padece ahora dicha nación. 'Es terrible contemplar una pantalla verde y escuchar decir que no muere nadie cuando caen centenares de bombas', expresa Rowinsky, quien aún no puede entender cómo mientras el mundo alzaba su voz en contra de la guerra, en Venezuela no ocurrió nada semejante. 'Todavía medito sobre ello', dice, quien considera la pieza como un compromiso con la propia conciencia. 'Este es un teatro dirigido a la reflexión, sin necesidad de dar consignas, sino lucidez. El deber de todo hombre cuerdo es evitar la guerra. Siento que este texto de Eurípides ha sobrevivido 2000 años, para posarse sobre la conciencia del hombre del 2003, eso es lo maravilloso de los clásicos'.
Rowinsky recuerda que desde hace diez años viene pensando en montar la obra, diez años donde esencialmente ha madurado como director y ha conseguido montar lo que define como 'un alarido de dolor que surge en escena'.
'Hace diez años _continúa_, había eliminado a los dioses y ahora descubro que tienen cosas que decir. Poseidón sentencia al final: Nosotros seremos apenas una referencia, pero ustedes estarán aqui y habrán inventado otros dioses para echarles la culpa de sus desafueros'.
Optimista, Rowinsky acota: 'El ser humano a lo largo de toda su historia va pariendo visiones de su existencia, y contrario a Poseidón, debería encontrar respuestas'.
Robert Andres Gomez. El Universal. 9 de agosto de 2003
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