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EL CELCIT EN ACCIÓN
Boletín del Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral
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ARGENTINA: DE LA GUARDA EN TOKIO
Energía de exportación
Los argentinos son aclamados en Tokio. El
público aplaude el show Villa Villa y participa
activamente del pogo y el despliegue físico de
los actores.
Tokio. Estación de subte Akasaka. ACT Theatre.
Desde hace una semana, jóvenes japoneses de 15 a
22 años pagan una entrada de 65 dólares (7.500
yens) para exaltarse, mojarse y acelerarse al
ritmo de Villa Villa, el espectáculo del grupo
argentino De La Guarda.
Junto a Nueva York y Korea, Japón se convierte
así, en la tercera plaza donde De la Guarda
monta en simultáneo el mismo espectáculo con
elencos preparados para la ocasión.
Con doce horas vividas antes que nosotros,
Pichón Baldinú, uno de los fundadores del grupo,
cuenta por teléfono, desde un bar, la saga De La
Guarda, capítulo aventuras en Japón. "Hoy lunes
es nuestro único día de descanso —cuenta—,
estuvimos dando vueltas por Tokio, esta ciudad
increíble, por un lado milenaria y a la vez tan
tecnológica, muy Blade Runner, con tanto para
conocer y disfrutar".
Desde el 15 de julio, realizan 10 funciones
semanales, con 600 espectadores por función. A
diferencia de Nueva York y Korea, en este caso
la producción es argentina. "Las condiciones
económicas de Argentina favorecen hacerlo así,
en especial con un país tan caro como Japón".
Por eso llevaron desde Buenos Aires tres
contenedores con toda la escenografía.
Y por eso, excepto dos ingleses, una americana,
una holandesa y un australiano, el elenco (unos
30 actores) es argentino. Se trata del mismo
grupo que actuó durante seis meses en Korea y
que fue reemplazado en esa ciudad por un elenco
de americanos y europeos.
Los japoneses deseaban llevar el espectáculo a
su país desde que se estrenó en Nueva York, en
1998. Pero no podían encontrar un lugar lo
suficientemente grande, bien ubicado,
habilitado.
Hasta que apareció el ACT Theatre. Pegado a un
club de rock, se encuentra en Akasaka, un barrio
de oficinas, lleno de restaurantes donde,
durante la noche, se ven hombres acompañados por
mujeres símil geishas. Hombres que buscan
sacarse el estrés de una ciudad que vive para
trabajar.
"La gente labura mucho acá —aporta
sociológicamente Pichón—, sale muy tarde del
trabajo, hay varios turnos, ves gente dormida en
los subtes a las doce de la noche". ¿Y no hay
mujeres estresadas acompañadas de hombres? No.
Es más. A Pichón le da la impresión que la mujer
allí se encuentra bastante sometida.
Junto a ellos se asociaron un canal de
televisión, un productor local y el Festival de
Tokio. Un festival multidisciplinario que dura
20 días y cuya principal atracción es un partido
de fútbol: Real Madrid contra Tokio. Otra de las
atracciones es el show de De la Guarda. Cuando
termine el festival seguirán actuando dos meses
más.
La reacción del público: "La gente flashea
—describe Pichón—, hay mucha euforia, no hace
falta inducirlos demasiado, cuando se abren las
duchas la gente arma el baile, hace pogo".
A diferencia de otros lugares del mundo donde se
presentan bajo el nombre del grupo —De la
Guarda—, en Tokio el show se llama como en
Buenos Aires: Villa Villa. "De La Guarda no
tenía ninguna traducción —explica Pichón—, en
cambio Villa Villa significa empapado,
empaparse. Y la gente viene a eso al show, a
mojarse, a salpicarse; se mueren con eso, su
actitud nos hizo acordar mucho a lo que pasa en
Buenos Aires".
Laura Gentile. Clarín. 22 de julio de 2003
LA ESCENA IBEROAMERICANA
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ARGENTINA. Hugo Aristimuño
tras los pasos del Che
El director prepara una obra sobre Guevara. Será
estrenada en México por Delta Teatro. Lo
mexicanos distinguieron la obra que Aristimuño
montó el año pasado en ese país.
México se ha vuelto un destino recurrente para
el realizador rionegrino Hugo Aristimuño, que
estuvo todo el pasado mes de junio trabajando en
ese país, más específicamente en la ciudad de
Culiacán, en el armado de un montaje sobre el
"Che" Guevara.
En este tercer viaje a tierra azteca, el
director trabajó con el grupo Delta Teatro, "en
un proyecto que fue un todo desafío". Antes de
marchar fue enfocando el trabajo a distancia, y
ya en México -con la asistencia de Alejandra
Lehner- trabajó en talleres específicos y en la
creación y montaje de la obra.
Antes de encarar la tarea, Aristimuño estudió
todo material sobre Guevara que se le pusiera
por delante: "Si bien en mi juventud militante
tuve un acercamiento a la figura del Che, nunca
había ahondado en su vida personal, en su
aspecto humano", además de tener en cuenta que
"hablar sobre el Che es como caminar sobre el
filo de una navaja, porque estás a un paso de
caer en el panfleto o en una disquisición
intelectual de café".
Hugo comenta que al llegar a México "descubrí un
grupo que practica un teatro popular de calle
impresionante; manejan el 'teatro de carpa' con
mística y poesía, con pocos recursos pero mucha
fantasía. Van cantando de un lado a otro; no
tienen esa cuestión tortuosa de sufrir para
hacer teatro; hay disfrute por hacer ese arte".
El grupo, formado por artistas de entre 20 y 30
años, manejan las técnicas de sombras, zancos,
malabares, títeres y las acrobacias. "El teatro
de calle tiene códigos propios y eso definió qué
historia teníamos que contar; y se decidió
rescatar la parte humana del Che, y a la vez
desacralizarlo".
Hugo explica que para eso "tomamos testimonios
objetivos, como cartas a sus familiares, poemas
que él había escrito, testimonios, cosas
incuestionables sobre su figura", y explica que
"hay cosas increíbles de su vida y su lucha, así
como también hay otras discutibles".
El director comentó que una vez en Culiacán
comprendió la razón por la que los mexicanos
habían elegido a Guevara como tema de creación:
"En esa zona del país hay una relación intensa
con Cuba y en todos lados aparece la figura del
Che, incluso hay lugares donde le han erigido
altares".
La pieza está enmarcada en la agonía del Che
Guevara en Bolivia, a partir de un racconto
sobre su vida, y aunque aún no tiene nombre
definido, los teatreros llaman al proyecto
"Hasta la victoria siempre".
En este momento el grupo Delta Teatro está de
gira por varios países d Europa, mientras
Aristimuño va trabajando las escenas que restan
del montaje, y en el mes de octubre volverá a
terminarlo, ya que será estrenado el 28 de ese
mes en el Festival Internacional de las Artes de
Sinaloa.
El director comparte que en esta incursión
volvieron a hacerle propuestas laborales en
México, a la vez que anunció dos reconocimientos
muy recientes: por un lado la obra "Resuellos
del viento" sobre la vida de Juan Bairoletto,
fue seleccionada para formar parte de un ciclo
de teatro en televisión que realiza el Instituto
Nacional del Teatro por Canal 7, mientras que la
obra "Ananké" -que dirigió el año pasado en
México- recibió el premio al mejor diseño de
puesta en el Encuentro Nacional de Titiriteros
de Monterrey.
Río Negro. 22 de julio de 2003
CHILE. La Muestra de
Dramaturgia premia a ganadores de Fondart
Los textos Uñas sucias y Proyecto Fausto son
finalistas de ambos concursos estatales.
Obras de autores consagrados, como Egon Wolff y
Jorge Díaz, y jóvenes dramaturgos, dos de ellos
de regiones, fueron parte de los ganadores de la
IX Muestra de Dramaturgia Nacional.
Por primera vez, los resultados del concurso
-organizado por la Secretaría de Comunicación y
Cultura (Secocu) del Ministerio Secretaría
General de Gobierno- coincidieron con el Fondart,
otro fondo que el Estado destina a la cultura.
Uñas sucias, de Luis Barrales, y Proyecto
Fausto, de Rolando Jara, ganaron ambos
concursos.
El jefe del Departamento de Cultura de la Secocu
y también miembro del jurado de esta versión,
Rubén Andino, explica que no existe
incompatibilidad para participar en los dos
fondos: Es primera vez que ocurre esta
concordancia. No existe en las bases una regla
que impida que un texto participe en otro
concurso. En la Muestra se destaca a un texto.
En cambio, en Fondart se premia a un proyecto.
El premio a estas dos obras sólo reafirman su
potencialidad. La abogada de Fondart, Karen
Soto, coincide: en su reglamento no hay
cláusulas de inhabilidad por este motivo.
Luis Barrales, autor de Uñas sucias, que recibió
$5,9 millones de Fondart, es estudiante de
teatro de la Universidad Arcis y es la primera
vez que participa en la Muestra. Su obra habla
de cinco futbolistas que desean acceder a la
liga profesional. El dramaturgo Rolando Jara, de
Proyecto Fausto, es finalista por cuarta vez en
la Muestra. Su obra es una investigación sobre
el personaje de Goethe. En el Fondart este
proyecto fue presentando por el director Roberto
Ancavil y ganó $14,8 millones.
A fin de mes se definirán los directores de los
montajes y luego sus elencos. La Muestra se hará
durante dos semanas a partir del 20 de noviembre
en el Teatro Antonio Varas.
JÓVENES Y CONSAGRADOS. Entre los ganadores,
Jorge Díaz reapareció por cuarta vez con la
comedia El jardín de los susurros, una obra
sobre la vejez. El dramaturgo Mauricio Barría
(El ínfimo suspiro) fue seleccionado por segunda
vez, ahora con El peso de la pureza.
Entre los ganadores destacan: La recomendación,
de Egon Wolff, y Condenados locatarios, de
Arturo Rossel. Más tres jóvenes autores: Rodrigo
González, con Último vuelo; Leyla Selman, con
Amador ausente, y Nelson Oyarzúa, con Amor en
Lota, estos últimos de la Octava Región.
Andrea González. El Mercurio. 22 de julio de
2003
COLOMBIA. Desde agosto 'El
mago de oz' se presentará en el Teatro
Colsubsidio
Este clásico musical cuenta con un estupendo
elenco, entre los que se encuentran actores de
la Compañía de Teatro Musical de Misi, y un
montaje con 18 escenografías.
El montaje con el que llega Dorothy en 'El Mago
de Oz', a partir del viernes primero de agosto,
es uno de los más grandes que se haya realizado
en Colombia.
En esta ocasión, fue Misi quien asumió el reto
técnico de montarla en Colombia en coproducción
con el Teatro Colsubsidio Roberto Arias Pérez,
que dirige Luisa Sánchez Alvear.
La obra contará con la dirección escénica y
coreográfica del norteamericano Rob Barron,
conocido internacionalmente por sus montajes en
diferentes escenarios: Los Angeles, Las Vegas,
Reno, Buenos Aires y Bogotá, entre otros.
EL RETO TÉCNICO. La magnitud esta obra, de dos
horas y cuarto, es posible medirla por sus
dieciocho cambios de escenografía, que exigen la
participación de dos equipos simultáneos de
tramoyistas y la utilización de todos los
recursos técnicos que tiene el teatro.
EL ELENCO. Patricia Bermúdez: Dorothy; Felipe
Salazar: el espantapájaros; Sebastián Martínez:
el hombre de hojalata; César Mora: el león;
Alberto Saavedra: el Mago; Andrés Felipe
Martínez: el Tío Henry; Yaneth Waldman: la bruja
mala; Claudia Arroyave: Tía Emi.
Los secundan cincuenta pequeños y grandes
actores de Misi, que llevan meses ensayando
diariamente. Con 'El Mago de Oz' se inaugura la
segunda temporada de teatro musical del año.Se
puede ver de miércoles a domingo, en el Teatro
Colsubsidio Roberto Arias Pérez, de Bogotá.
El Tiempo. 21 de julio de 2003
CUBA. Arlequinada del Circo
Nacional de Cuba
Arlequinada, del Circo Nacional de Cuba,
reunirá, por primera vez, en el teatro Karl Marx
—3 al 24 de agosto—, a 90 jóvenes artistas y 20
bailarines, en un espectáculo en el que se ha
trabajado la tendencia contemporánea de este
arte en el ámbito internacional y el cual se
espera cubra las expectativas de los asistentes.
Evocación de los arlequines, con música de
Edesio Alejandro y coreografía de Fidel Pajares,
el espectáculo que se ofrecerá de jueves a
domingo, a las 5:00 p.m., contará con las
actuaciones de la Compañía Habana, Los Hernan y
Los Febles (acrobacia en mástil), Los Rafix, Los
Albert y Los Rafa (acrobacia de fuerza), Sany,
Clarisleydis y Carlos Manuel (ballet
aéreo—telas), entre otros artistas.
En contacto celebrado en el Centro Internacional
de Prensa, en el que también intervinieron José
Felipe Rodríguez, director artístico general de
Arlequinada y del Circo, y José Ramón Rizo,
director asistente del espectáculo, se destacó
la labor realizada desde enero pasado por las
carpas Azul y Fantasía, que han recorrido
numerosos municipios y centrales del país.
Se dio a conocer también que, por el prestigio
de que goza el Circo Nacional, 173 de sus
artistas cumplimentan contratos en el
extranjero, validados por los premios obtenidos
a partir de 1986, en los más importantes eventos
del arte circense: festivales Pista de París, de
Montecarlo; Primavera (República Popular
Democrática de Corea); Acrobático de Wigiao
(República Popular China); Riva de Garda
(Italia); del Circo de Moscú y el Mundial de
Brasil.
Omar Vázquez. Granma. 23 de julio de 2003
ESPAÑA. La versión de
'Historia del soldado' escrita por Rafael
Alberti se estrena en Cádiz
La versión de Rafael Alberti de 'Historia del
soldado', escrita originalmente por Igor
Strawinsky en 1918, será estrenada hoy en el
Monasterio de la Victoria de El Puerto de Santa
María (Cádiz). Esta obra significó el comienzo
del teatro musical moderno y ahora se presenta
como un espectáculo con actores, bailarines y
títeres.
Una de las características excepcionales del
espectáculo de Bambalina y el Grup Instrumental
de València es que la versión de Alberti nunca
antes se ha representado en combinación con
elementos de danza, teatro y títeres.
La música original será interpretada por el Grup
Instrumental de València y la versión libre del
libreto de F.C. Ramuz que Rafael Alberti realizó
en 1932 será escenificada por la compañía
Bambalina.
El director general de la Sociedad Estatal
Conmemoraciones Culturales (SECC), Rafael Gasset,
subrayó que el espectáculo, que coincidirá con
las actividades paralelas de los 'X Encuentros
de la Poesía' organizados por la Fundación de
Rafael Alberti, integrará "por vez primera"
música, interpretación, danza y títeres de "gran
tamaño",lo que originará "un lenguaje común" a
Bambalina, Rafael Alberti, el Grup Instrumental
y Strawisnky para "expresar" esta "metáfora de
paz y entendimiento entre los pueblos" que es la
'Historia del soldado'.
El estreno mundial de este espectáculo se
incluirá en los actos de celebración del
Centenario de Alberti, producidos y organizados
por la SECC.
Después será representado en el festival Sagunt
a Escena de Valencia los días 1 y 2 agosto; en
el Real Alcázar de Sevilla los días 19 y 20 de
septiembre; en el Festival Internacional de
Teatro Ibeoramericano de Cádiz el 20 de octubre;
en el Teatro Cervantes de Málaga el 22 de
octubre y en el Círculo de Bellas Artes de
Madrid los días 22 y 23 de noviembre.
ESPECTÁCULO DE MÚSICA Y DANZA. 'Historia del
soldado' es un alegato "contra la guerra" que
Strawinsky creó durante su exilio en la Suiza
neutral. "Una historia para ser leída,
interpretada y bailada a la vez", según las
propias palabras del compositor.
Según Gasset, tanto las necesidades económicas
como el deseo de difundir este mensaje pacifista
llevaron al autor a concebir una obra
"sencilla", de "fácil" comprensión para "todos"
los públicos y cuyo montaje, "alejado de
complicaciones", se pudiera realizar incluso en
un teatro ambulante.
Por tanto, como dijo el representante de la SECC
"se trata de un espectáculo dirigido a espíritus
que van desde los 12 a los 112 años, ya que
todos pueden enterderlo y disfrutarlo".
La estructura de la obra está inspirada en las
antiguas versiones del pacto entre Fausto y
Mefisto escritas para el teatro de marionetas,
que Ramuz transformó en un acuerdo cerrado entre
un soldado y el diablo. Más tarde, Alberti
situaría la acción en Cádiz.
El argumento cuenta la historia del soldado que
regresa del frente "armado" con un violín, para
encontrarse con su familia y casarse con su
novia. Pero, en el camino se encuentra con el
diablo y acepta cambiar su instrumento por
riquezas. Desde ese momento la vida del soldado
permanecerá unida a la del diablo.
Por otra parte, "Bambalina pretende plantear una
propuesta integradora de todos los elementos que
conforman el espectáculo", afirmó su director
escénico, Jaime Policarpo, durante la
presentación del espectáculo en la Fundación
Rafael Alberti.
Así, añadió Policarpo, "compartirán" escena
siete músicos, el director musical, un narrador,
cuatro actores-bailarines-manipuladores, seis
títeres de diferentes tamaños y diversos objetos
escultóricos y elementos escenográficos.
En esta línea, el director artístico de
Bambalina Titelles señaló que uno de los
lenguajes con los que se expresarán será la
danza, dado que "es el lenguaje más próximo a la
abstracción musical" y cobra un "mayor
protagonismo" en la segunda parte de la obra,
añadió.
El Mundo. 22 de julio de 2003
URUGUAY. Aku: Una luz en la
oscuridad
Como es típico, las vacaciones suelen traer
consigo propuestas efímeras a la cartelera de
espectáculos. Los niños y sus posibles espacios
de recreación se transforman en negocio, y
dichas propuestas -salvo excepciones que por
suerte son cada vez más numerosas- optan por la
simple distracción o por golpes de efecto
dirigidos más a la taquilla que al encuentro del
arte con ese público tan digno de respeto como
carente de alternativas que consideren su
inteligencia y sensibilidad específicas.
UNA PROPUESTA DIFERENTE. En este sentido Aku, de
Bosquimanos Koryak, constituye un ejemplo de
cómo recuperar para los niños aspectos clave de
la fantasía y el misterio, aportando asombros y
emociones que apuntan a despertar o más bien a
reeditar un tipo de contenidos que la televisión
y los videojuegos excluyen de sus recetas,
aunque puedan servir aquí como fuentes puntuales
de inspiración estética.
A primera vista, se trata de un espectáculo
capaz de abrir intersticios que los niños deben
llenar con su propia imaginación, y que incluye
la apertura a diferentes planos de la percepción
mediante la estimulación de los cinco sentidos,
a través de un lenguaje original y
artísticamente cuidado. Pero hay mucho más.
EL CAMINO DE BOSQUIMANOS. Bosquimanos Koryak,
una compañía conformada por siete jóvenes de la
ciudad de Canelones dirigidos por Martín López
Romanelli (1973), se ha convertido en sinónimo
de un lenguaje teatral hasta ahora inédito - al
menos en esta forma y articulación- en nuestro
país. Se trata de la técnica del teatro negro
-su mayor exponente mundial ha sido el Teatro
Negro de Praga- en la cual sus representantes
locales vienen profundizando de manera
autodidacta, con resultados más que relevantes.
Es un trabajo artesanal y son los propios
integrantes de la compañía quienes construyen y
dan vida, a partir de materiales diversos, a los
personajes que su director diseña. Luego, en la
oscuridad de la sala que esconde a los
manipuladores, los muñecos resaltan al choque de
la luz, expresándose dramáticamente más allá del
lenguaje verbal. La composición de cada uno
depende de la perfecta coordinación entre los
siete integrantes de la compañía: siete cuerpos
en movimiento, siete sensibilidades y siete
intenciones simultáneas, que Romanelli
logra orquestar y matizar con precisión.
Manteniendo la impronta desarrollada por Biliti,
su primer espectáculo, Aku apunta, sin embargo,
a un lenguaje menos elíptico y a un público
netamente infantil, sacrificando ciertas
sutilezas expresivas en pro del dinamismo, la
búsqueda de coherencia en el relato, y la
variedad de personajes. Así, la compañía
continúa un camino de experimentación en el
vastísimo universo recursivo de su lenguaje
escénico, asumiendo, tanto en el plano
estructural como en las técnicas de manipulación
y el manejo del espacio, nuevos e interesantes
riesgos.
AKU Y LA SUBJETIVIDAD OLVIDADA. El espectáculo
indaga y se adentra -¿será posible?- en la
subjetividad de un bebé. En su relación con sus
juguetes tal como son por él percibidos, y en
sus primeras aproximaciones a un mundo que aún
le queda muy grande, donde todo es nuevo, y
donde el espacio, el tiempo y las dimensiones,
se conjugan en esa zona insondable y anárquica
de los contactos primarios. Este universo
caótico, donde la espacialidad y la temporalidad
se diluyen incluso para el propio espectador, se
encuentra contenido en una anécdota concreta:
dos mosquitos despiertan al protagonista, que se
desvela y se sumerge en el juego, hasta que
llega su madre a reestablecer el orden y
devolverlo a su cama.
Un tempo poético se instala desde el inicio y
otorga al espectáculo un fluir particular. Éste
se apoya en la música -en su mayoría original
(compusieron especialmente El Club de Tobi y
Juan Gonçálvez)-, así como en la sutileza de los
climas generados por el diestro manejo de los
personajes. Es un tempo que pendula entre dos
tonos complementarios: así, momentos de energía
vertiginosa, hiper-kinética, se contrapesan con
otros que parecen suspendidos en el aire, en una
tensión casi hipnótica, y que sólo se quiebran
con la irrupción de una nueva secuencia, en el
momento justo.
Finalmente, importa señalar más allá de Aku y su
repercusión en el público infantil, que el
trabajo de Romanelli en tanto alma mater
-director de la compañía, pero también autor,
realizador y manipulador en sus espectáculos- ha
sorprendido muy gratamente en un país que le
debe, al menos, la suerte de haberse aproximado
a estas técnicas teatrales, y de haberlo hecho
de la mano de dos primeras propuestas de
indiscutible calidad y competencia
internacional.
Lucía Masci, Caras y Caretas, 17 de julio de
2003
VENEZUELA. Cinco propuestas
apelan a la fantasía y lo humano para mostrar la
realidad nacional
Diversas obras de teatro y danza teatro plenan
la cartelera de julio con grandes dosis de
humor, nostalgia y absurdo en sus propuestas.
Escrita por el dramaturgo y director César
Rojas, Goya, razones para el exilio de un
artista, es una pieza madurada a través del
trabajo colectivo de los actores de un taller de
El Galpón de San Fidel. La vida del pintor
español Francisco de Goya sirve de excusa para
hablar de una realidad que golpea a Venezuela
como nunca antes: la necesidad de vivir en el
exilio para poder dar rienda suelta a los
sueños.
Celebrando una década de existencia, la
agrupación caraqueña Ago Teatro reúne a 37
actores y actrices _encabezados por Anabelle
Brunn y Carlos Domínguez_ para escenificar
Chantaje, comedia de Miguel Angel Asturias que
la directora Virginia Aponte transforma en un
musical ambientado en los años cincuenta como
homenaje a Dámaso Pérez Prado y un alegato
contra dictaduras como la de Cuba.
El Mistral, dirigida por Miguel Issa y Leyson
Ponce (Dramo) es una coreografía para quince
personajes que evocan en coloridos cuadros el
misterioso viento frío que recorre Europa en
pleno verano y cuya historia se rodea de
imágenes fantásticas. Otra propuesta de sesgo
mágico y lúdico, que mezcla danza, teatro, video
y plástica es El Asombro, pieza del dúo La
Puesta (Luis Armando Castillo y Vanessa Lozano),
a estrenarse el miércoles en la Sala Río, Teatro
Caribe de San Bernardino.
Inspirado en la obra de Eugene Ionesco, La
Lección, el grupo Teatro Dramma recrea las
atmósferas de un ícono del absurdo para tratar
temas tan duros como la intolerancia, la
incomunicación y la violencia, sin dejar afuera
el humor.
Manuel Lebon. El Universal. 19 de julio de 2003
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