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EL CELCIT EN ACCIÓN
Boletín del Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral
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LA ESCENA IBEROAMERICANA
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ARGENTINA. “El vino de ciruela”, una Susana Rinaldi que se multiplica por tres
La cantante y actriz presenta a partir de mañana en el Broadway esta pieza de Arístides Vargas, una reflexión sobre los históricos prejuicios sobre lo masculino y lo femenino: “Es una profunda observación sobre nuestra sociedad”, dice en esta entrevista.
“Pertenecemos a un mismo pueblo. Te comprendo, hermano”, le diría la actriz y cantante Susana Rinaldi al autor de la obra que eligió para volver a la escena como intérprete de personajes que atraviesan exilios y soledades, sin perder por ello el humor. Ese autor es el mendocino Arístides Vargas, radicado desde 1976 en Ecuador, después de permanecer un tiempo en Perú. La obra es La edad de la ciruela, título que fue sustituido por El vino de ciruela en el estreno de Rinaldi, que será mañana en el Teatro Broadway, de avenida Corrientes 1155. Fundador del Grupo Malayerba, Vargas ha realizado breves giras a Buenos Aires y Mendoza con obras de tono crítico y poético. En 2000 trajo al Teatro Cervantes su pieza Pluma, donde destacó los elementos mágicos de una historia cuyo protagonista era un joven soñador y rebelde, y la conmovedora Nuestra Señora de las Nubes, donde dos exiliados describen experiencias tragicómicas sobre temas como la soledad, el amor y el autoritarismo. “El exilio empieza cuando comenzamos a matar las cosas que amamos”, se reflexionaba en aquel trabajo, especie de resguardo frente a la violencia del olvido.
Ese rescate de lo amado y vivido es uno de los puntales de la obra que ahora presenta Rinaldi, quien cumple los roles de la tía Adriática, la sobrina Jacinta y la abuela Gumersinda. Esta obra de Vargas fue vista también en Mendoza, escenificada por el Grupo Sobretablas. En la première porteña, la adaptación es de Rubén Pires, quien codirige junto a Manuel González Gil. Actúan Rita Terranova, en el papel de una madre “que es pura dedicación”, Ligia Piro, “la chiquilina que relata la obra”, como apunta Rinaldi a Página/12, refiriéndose al personaje que interpreta su hija en la vida real; Perla Santalla, Magela Zanotta y Claudia Pisanú (la mucama). La música pertenece a Juan Carlos Cuacci; el vestuario y la escenografía, a Pepe Uría, y el diseño de luces, a Roberto Traferri. “La obra se desencadena a la manera de un racconto, tras la muerte de la madre. Ella es la figura-tronco en estas historias de mujeres atadas a prejuicios, que se sienten solas aun estando acompañadas”, sintetiza Rinaldi, quien no desdeña la militancia política (su candidatura a ocupar la banca de senador por la minoría porteña tras el fallecimiento de Alfredo Bravo, del Partido Socialista) ni la tarea cultural que se le delegó como embajadora itinerante de la Unesco.
–¿Qué la decidió a mostrarse nuevamente como actriz?
–Me entusiasmé al leer la obra de este autor que se sirve de un exilio permanente para observar con gran profundidad a nuestra sociedad, que anda siempre por los mismos andariveles. Los argentinos no hemos modificado esos esquemas que van en contra nuestro. A mí no me interesa volver al teatro con un personaje armadito sino con seres de la carnadura que tienen éstos. En esta obra la memoria es un espacio infinito que nos protege de situaciones de exilio y soledad, incluso de desesperación. En ese espacio de la memoria, siento que el presente “puede ser realizado”.
–Los recuerdos pasan aquí por las experiencias de varias generaciones de mujeres. ¿En ese racconto se propone una mirada nueva sobre lo femenino?
–A las mujeres se les enseñó históricamente a esconder los sentimientos, como también a los hombres cuando se trata de emociones no aceptadas por el entorno. Lo diferente es considerado signo de debilidad. Ocurre lo que en Carta a mi madre, de Simone de Beauvoir. La obra descubre los prejuicios a los que estamos sujetas las mujeres, impuestos por sociedades que prefieren los ghettos. Por un lado lo femenino y por otro lo masculino. Siempre nos faltará a los humanos esa otra sensibilidad que nos completa. Esta es una familia que no se permitió ser diferente, un rasgo común en una sociedad como la nuestra, que no sabe poner el no y elsí donde corresponde. Es ahí donde otros nos llevan ventaja. Los argentinos, en cambio, caemos siempre en la misma trampa.
–¿Cómo es esta preocupación por el propio país cuando se vive afuera?
–Estuve radicada en París durante 27 años, pero con viajes periódicos a Buenos Aires y a otras ciudades de Europa y América. Fueron años compartidos. Ahora, una gente amiga me brindó la oportunidad de quedarme en Roma, y ahí estoy. Quizá me toca dar la vuelta que mi papá no dio. Era de Amalfi, llegó a Buenos Aires a los 16 años y se quedó. Pertenecía a una familia de dinero que fue muy presionada por el fascismo. Italia es hoy un país acostumbrado a convivir con las Brigadas Rojas y la Mafia, el Vaticano y el socialismo. Un país rico en experiencia de vida y con un presente abierto a todas las culturas. Creo que se tiene una escondida admiración por los argentinos, y esto no pasa sólo por el fútbol, por Maradona, sino por el arte y especialmente la música. Funcionarios italianos como Veltroni, intendente de Roma, vinieron a la Argentina sin que nadie lo supiera para saber qué pasaba con los pedidos de pasaportes al Consulado. Hace más de un año que Italia ofrece trabajo a profesionales argentinos: ya se abrieron unos 140 puestos.
–¿Qué otros proyectos tiene?
–Existe la posibilidad de llevar esta obra a España, y está lo que ya tengo acordado en Europa, donde regreso en octubre. Me contrataron para dos producciones discográficas. Una es un homenaje a la música de los compositores Alberto Ginastera, Carlos Guastavino y Astor Piazzolla, donde participo junto a la cantante Teresa Berganza. La otra grabación es con Martirio. Además, tengo acordadas presentaciones en España, Italia y Francia. Hice varios recitales en Alemania, Holanda, Suecia, Dinamarca y Finlandia, y pude comprobar que es cada vez mayor la cantidad de espacios artísticos que se nos están abriendo a los argentinos.
Hilda Cabrera. Página 12. 15 de julio de 2003
CHILE. Integración social: la otra vertiente del teatro joven
Obras dirigidas a pacientes hospitalizados y piezas protagonizadas por niños discapacitados son ejemplos de una nueva forma de hacer teatro.
Una pregunta: ¿Puede el teatro chileno ser algo más que los estrenos de directores consagrados y las búsquedas experimentales de nuevos artistas? Sí puede. La respuesta corre por cuenta de un pequeño porcentaje de actores, esos que combinan el arte y el trabajo social. Casi siempre son jóvenes. Y, por lo general, están lejos de la farándula.
Un ejemplo: Andrés Gómez (Te vas a morir de pena cuando yo no esté). Desde hace cuatro años monta obras para personas hospitalizadas. ¿Por qué? Sentí la responsabilidad de usar el teatro para contribuir a la sanación. Su idea fue acogida por el Hospital Clínico de la Universidad de Chile: el 27 de julio comenzará su cuarto ciclo.
Una vez a la semana, durante dos meses, su Teatro entretenido visita salas del recinto para invitar a los pacientes a ver una función. Incluso ayuda a trasladarlos cuando no hay personal disponible. Este año presentará una adaptación de la película Titanic, a cargo de la compañía Cangrejo. No es el único. En 1997, Alexander Baxter trabajó en el Hospital Siquíatrico con pacientes.
Otro caso: el del Circo del Mundo-Chile, cuya sede está en Quinta Normal. Es dirigido por los actores Alejandra Jiménez y Bartolomé Silva, y busca rescatar a niños en riesgo social a través de las técnicas circenses. Actualmente trabajan con 200 niños en Santiago y otros 150 en Alto Hospicio, y su sueño es construir una escuela de circo profesional.
Desde marzo, en Maipú, las actrices Alejandra Ortiz y Daniela Contreras se dedican a preparar una
obra con niños discapacitados de la Escuela Especial Agazzi. El martes 15 estrenarán León, el rey de la selva, una versión de El rey león.
Algo parecido hace Fernando Gómez-Rovira (Taxi para tres y Machos). Él interpretó a un niño con discapacidad en la obra To-más. Dice que la experiencia fue fuerte. En abril estrenó la obra ¡Qué bueno!, protagonizada por jóvenes con síndrome de Down y actores profesionales. Ya tiene una invitación de una empresa española para viajar al Teatro Calderón de Valladolid este año. En agosto, irá a Rancagua apoyado por Codelco.
En rigor, su caso es una excepción: la falta de financiamiento es la constante de estas propuestas. Andrés Gómez quiere extender su trabajo a otros hospitales, pero no tiene recursos. Lo mismo les pasa a Daniela Contreras y Alejandra Ortiz. Otro caso, el de Jacqueline Roumeau, directora de Pabellón 2: rematadas y Colina I: tierra de nadie, es parecido. Ella trabaja con reos y le preocupa la continuidad de su labor.
Encuentro: Entre el 21 y 24 de octubre, Circo del Mundo-Chile y el área social del Cirque du Soleil organizarán un encuentro internacional de circo social en Santiago.
Andrea González y María Romero. El Mercurio. 12 de julio de 2003
CUBA. Zucco busca las alturas
La metáfora final de Roberto Zucco —el reciente estreno de Argos Teatro que puede verse los fines de semana de julio en el noveno piso del Teatro Nacional— sitúa al protagonista fugándose hacia arriba, evadiéndose en complicidad con el sol. También a lo alto, a lo complejo, a lo rico apunta la puesta en escena de Carlos Celdrán. Muchos actores sobre las tablas, uso de diversos planos escénicos, yuxtaposición de signos nos hablan de un montaje ambicioso y llamado a ganarse un puesto —más allá de preferencias— entre los acontecimientos del año teatral cubano.
Celdrán, un nombre imprescindible en nuestra vida teatral de la última década, nos habla en las Notas al Programa sobre el autor de esta obra que ya había asumido, con Teatro Buendía, en 1995: "Bernard-Marie Koltés es sin duda uno de los más importantes autores de nuestro tiempo, con un discurso que privilegia la palabra y el fragmento, la intensa poesía y el realismo más directo, su teatro busca con complicidad unir la tradición realista sicológica, el vértigo clásico y la radicalidad de las vanguardias...". Agregaría que en Koltés la amplificación de las posibilidades del diálogo y las transgresiones argumentales de los autores del teatro del absurdo aparecen con una naturalidad que ratifica la crudeza y lo sutil pero con poderosa vocación de crítica social.
El ámbito escénico —a cargo de Alain Ortiz— logra unificar los catorce cuadros en que se divide la obra con un tratamiento sobrio y eficaz de los espacios y las texturas. La puesta alcanza un ritmo fluido y dinámico, aunque sospecho que la continuidad de las funciones le impriman mayor justificación dramatúrgica a los cambios, ahora afectados por algunos gritos parásitos del reparto. Preferiría una mayor utilización de la excelente banda sonora (a partir de la música de X Alfonso) y prescindir de exclamaciones y comentarios que no están al nivel de las formidables composiciones escénicas de que hace gala el espectáculo. El uso de las transparencias y la multiplicación de espacios, aprovechando las dilatadas proporciones de este noveno piso tan caro a Argos Teatro, son otros logros rotundos del montaje.
El joven actor Caleb Casas encabeza el amplio elenco y se enfrenta al rol más complejo de su carrera. Casas despliega un serio entrenamiento físico y deja ver una elaborada búsqueda en cuanto a la caracterización. Resultaría más convincente si no "regalara" la locura del personaje desde la primera escena. Zulema Clares se ratifica como una actriz emotiva y de una singular vitalidad. Su monólogo, hacia el final de la obra, resulta conmovedor y convincente. Lástima que —atenta a una compleja cadena de acciones— descuide, por momentos, la precisión al decir.
En el resto de las caracterizaciones sobresalen la riqueza interior y la seguridad escénica de José Luis Hidalgo. Rachel Pastor asume un personaje de altos contrastes emotivos. Brilla más en la sobria primera parte que en el final, donde deberá buscar matices para la proyección de sus pasiones. Mientras, Yailene Sierra y Verónica Díaz aportan solidez y coherencia, Geordanis Carcasés y Yohanys Lubín caen en la tentación de esquematizar sus personajes, sobre todo por lo elemental de la proyección de la voz. Ariel Fundora funciona muy bien en un cuadro en el que la puesta lleva más lejos el juego con la espectacularidad y el melodrama.
Roberto Zucco nos recuerda el valor de la palabra en el teatro; se remite a una circunstancia universal y la acerca a nuestro público, sin ingenuas adaptaciones ni subrayados excesivos.
Amado del Pino. Granma. 12 de julio de 2003
MÉXICO. Montan obra de Luisa Josefina Hernández
'Zona templada', que dirige Ignacio Escárcega, manifiesta las máscaras y justificaciones del amor: el rencor, la culpa o la esperanza.
No queda fantasía en pie en la dramaturgia de Luisa Josefina Hernández, cuyos personajes expulsan de su realidad a todo al que no logre calzar la zapatilla de cristal, pero esa búsqueda amorosa se torna un solitario encierro con el ideal.
"Basta que la pareja sea como es, para que todos nuestros sueños e ilusiones acaben destrozados. En lugar de acercarse al ser humano que queda delante y decir a ése es al que voy a amar, uno recompone la fantasía, que frente a la complejidad de los seres humanos resulta pequeña y estática", añadió Fernando Martínez Monroy, discípulo de la escritora.
En Zona templada, la autora manifiesta las máscaras y justificaciones del amor: el rencor, la culpa o la esperanza y encamina a los protagonistas a un callejón sin salida, hasta que cada uno se enfrenta a las mentiras que han terminado contándose a sí mismos.
"La ruptura del ideal es doloroso porque aunque sea problemático es absolutamente amado y forma parte de nuestro inconsciente, aquello que queremos amar ya está en nosotros todo el tiempo. Buscamos que el amor sea imposible cuando queremos sentir, pero no relacionarnos, y el enamoramiento implica la aceptación de un montón de verdades interiores".
El antiromanticismo dota de originalidad a la obra teatral de Hernández, no es complaciente con las fantasías individuales y obliga a los personajes a responsabilizarse de su destino. Sin embargo, la inteligencia e intensidad de los textos de la dramaturga impiden llevarlos a escena con la frecuencia necesaria, opinó el también profesor de teoría dramática en la Facultad de Filosofía y Letras en la UNAM.
De entre las 68 obras teatrales escritas por la novelista, por lo menos una veintena no se han montado, particularmente las que creó a partir del 2000 tras retirarse de la universidad y recobrarse de una enfermedad, comentó Martínez Monroy al señalar la diversidad de géneros y estilos explorados por su mentora (didáctico, festivo, realista y social).
Los protagonistas se rompen y desmoronan a medida que no encuentran a la persona que esté a la altura de sus fantasías, nadie lo está; de ahí que la propuesta dramática de Hernández forme parte del teatro realista, pues echa por tierra las ilusiones y no hace concesión alguna.
La historia de María y sus dos amantes, obra que se estrena este viernes a las 20:00 horas en el Teatro Coyoacán, guarda enorme distancia con el trillado melodrama y en su lugar se encamina por escenas que concluyen con una gran maestría y de modo inesperado, dijo Luis Miguel Lombana, quien forma parte del elenco de Zona Templada, junto con Dora Cordero y Guillermo Larrea.
A diferencia de otras estructuras dramáticas del teatro moderno, según Cordero, la obra de Hernández no pierde la dimensión psicológica para privilegiar el efecto y en cambio cumple con el anhelo de todo actor: profundizar el carácter de los personajes con lo que brinda variadas posibilidades de interpretación para el relato escénico.
Ignacio Escárcega dirige la pieza teatral tras conciliar su punto de vista con el de los intérpretes y optó por reducir los movimientos y desplazamientos de los actores para enfatizar el sentimiento y hacer de la puesta en escena "un espectáculo de la emoción".
"La crisis emotiva por la que atraviesan los personajes es casi como meterse a un pantano, pero en cada uno de los ensayos los actores renuevan el universo de la ficción y exploran cosas distintas, encuentran nuevos modos de resolver sus dudas", agregó el director.
Chopin es uno de los compositores sugeridos por la dramaturga para el fondo musical de la obra, a cargo de Ziggy Fratta, cuyo objetivo fue mantener la energía que permanece en el escenario entre las transiciones. Además, la escenografía fue ideada por Arturo Nava, quien consigue ampliar el espacio.
Zona templada se presentará los viernes, sábados y domingos en el Teatro Coyoacán -Eleuterio Méndez 11, Colonia Churubusco Coyoacán- gracias a un convenio entre la Sociedad General de Escritores de México, organismo que ofrece el espacio, y el Instituto Nacional de Bellas Artes, el cual produjo la obra.
Julieta Riveroll. Reforma. 15 de julio de 2003
VENEZUELA. Venezolanos se llevaron Festival de Praga
En un inicio del verano Checo dedicado al teatro, con la Quadrienalle anunciando sus premios a Inglaterra, Estados Unidos e Italia y con la Biennalle de Arte llevándose los titulares y hasta programas enteros de televisión, invadiendo toda Praga con ese arte nunca visto, terminó el pasado Domingo el 5to Festival Internacional de Teatro Malanstransa Beseda-Praga 2003.
Con doce países en competencia y seis en la muestra, el Premio Principal, otorgado por el Público a través de votos al final de cada función, fue este año para la agrupación Venezolana TEATRO SAN MARTÍN DE CARACAS con su espectáculo PASSPORT, del dramaturgo Gustavo Ott puesta en escena por Luis Domingo González.
Es la primera vez que una agrupación latinoamericana se alza con el primer premio de este evento, monopolizado en otras oportunidades por grupos Checos, Italianos y Eslovacos. El Festival se llevó a cabo desde el 30 de Junio y culminó el 07 de Julio en el teatro Divadlo Na zábradlí en el centro turístico de la capital Checa y en la legendaria sala del Malanstransa Beseda Music Hall frente a la Basílica de San Nicolás, también en el centro de Praga. El evento contó con subsedes en Ostrava y Berno.
El premio fue este año una espectacular escultura del artista Hristov Halle realizada en cerámica de manera exclusiva para este evento. La escultura simula una dama –o una actriz?- que se convierte en garrafa de vino, en ese estilo surrealista-barroco tan conocido del artista.
La obra Venezolana abrió el festival y se mantuvo siempre como la favorita de los espectadores, quienes también dieron menciones especiales a grupos de la Rep. Checa – particularmente a Vechna Jediná que presentó a la extraordinaria artista Adela Stodolova en un inolvidable espectáculo titulado “All One” - Bélgica con la obra “Comunicación Sensual” y Eslovaquia con el grupo DISK en uno de los más aplaudidos espectáculos del festival titulado MOODS, basado en la biografía del escritor ruso Michael Bulgakov.
Por su parte, la Venezolana PASSPORT narra la historia de una mujer que pierde su pasaporte en la frontera de algún país desconocido .Los problemas de identidad, idioma, migración y el ejercicio gratuito y despiadado del poder llevan la obra a extremos de una peligrosidad cotidiana. PASSPORT contó con los actores MARIA BRITO, DAVID VILLEGAS Y ALFONSO REY con una hermosa y sentida musicalización de Alfonso Ramírez. Para la crítica del Festival : “...Passport demostró que se puede hacer el mejor teatro del mundo sin nada sobre los escenarios. De la desesperación “Munch” de Eugenia, personaje interpretado excelentemente por Maria Brito fuimos llevados al gigante pero enternecedor personaje del Soldado interpretado por Alfonso Rey y de allí al pequeño y gracioso, pero temible Oficial, interpretado por David Villegas”
PASSPORT fue estrenada en Caracas en Abril pasado dentro del ciclo MIRANDO AL ESPACIO VACÍO, un acercamiento a la visión escénica de Brook organizada por varios grupos Venezolanos en el Ateneo de Caracas.
El director del Festival Checo , Akram Stanek , recordó que la próxima edición del Festival será dedicada particularmente al teatro de la Comunidad Económica, ya que la Rep Checa se estrena a partir del 2004 como una de las estrellas que brillan en la bandera azul de la CE. “Auspiciado de nuevo por la Alcaldía, el del año próximo será un evento en una ciudad llena de arte, porque eso es lo que prepara Praga para el año que viene, festival al que los Venezolanos ya han sido invitados para que lo abran, por haber ganado esta edición...” . Mientras tanto, en el 2003 este festival Praguense llenó escenarios por todos lados, festivales, encuentros de teatro negro, un Fausto para no olvidar llevado a escena por el Tearo Nacional y la Quadriennalle de Teatro de Praga, llena de gente de la escena de todo el mundo, es decir, llena de gloria.
Isvan Erkody- Interescena-Praga/Rep Checa. Traducción: Silvia Barrios Ojeda
VENEZUELA.
Isaac Chocrón: “El teatro es una mentira hecha con verdades”
Dramaturgo, novelista y artífice de compañías teatrales, Isaac Chocrón dice que le incomoda hablar de política, pero más le irritan las borracheras mentales de quienes están en el poder
Internet y la TV por cable se adueñaron del tiempo de ocio de las nuevas generaciones, al punto que estamos tentados a preguntarle ¿Para qué sirve el teatro hoy?
–El teatro es indestructible, y la mejor prueba es la actual cartelera caraqueña, pese a las dificultades económicas que confronta el teatro. Habrá quien diga que se trata de una cartelera de poca calidad porque se basa en unipersonales.Yo le respondo que eso es admirable. Demuestra que la gente de teatro quiere seguir haciendo teatro a como de lugar.
–¿Y cómo van sus tratos con Internet?
–Yo viví una experiencia maravillosa cuando publiqué Pronombres personales, como folletón (del 5/8 al 30/8/2002) en El Nacional, y al mismo tiempo salía en Internet. El Nacional calculó que la novela era leída por miles en la versión impresa, y el doble por Internet. Luego hice una sesión de chateo con lectores, y fueron tantos, que en 20 minutos se congestionó el sistema. Recibí correos de Japón, Holanda, España, Estados Unidos. Una señora en Hebrón, leía cada capitulo por Internet, le sacaba copia y lo repartía entre sus amigos.
–¿Cuál es el principal rasgo de su carácter?
–Por lo que me dice la gente, debe ser mi sentido del humor.
–Pero la situación actual no es para reírse. ¿Qué es lo más doloroso de todo esto?
–Lo más doloroso es ver que los jóvenes se tengan que ir del país, no porque quieran, sino por no conseguir trabajo. Comprendo lo que eso significa. Yo hice mi carrera universitaria en Estados Unidos ya que en esa ocasión la UCV estaba cerrada.Y es doloroso salir del país así.
–¿Y no cree que en Madrid o Nueva York habría sido un dramaturgo más conocido que en Venezuela?
–Es que en cierta forma lo he sido, tanto en Madrid como en Nueva York. En esas ciudades se han montado piezas mías con mucho éxito. En Madrid se representó OK durante 2 años y medio.Y La Revolución tuvo gran acogida en Nueva York.
–¿A quién se le ocurrió incluirlo a usted, junto a Cabrujas y Chalbaud, en la célebre Santísima Trinidad del teatro venezolano?
–Tengo entendido que fue Lorenzo Batallán.
–¿Qué es lo que más detesta en la vida?
–La fatuidad y las borracheras mentales que exhiben quienes están en el poder.
–¿Cuál hecho noticioso le ha impactado más?
–La tragedia de Vargas. Por eso escribí Pronombres Personales.
–Y después de un largo silencio, se aparece con esta novela. ¿Por qué escribir sobre eso?
–Todos nacemos con una familia heredada y cuando crecemos adquirimos una familia elegida, que son los amigos.A mí me dolió mucho lo que vino luego de la tragedia de Vargas: la indiferencia. Inventé esos personajes y que cada quien hablara por su cuenta. Es un teatro novelado o una novela teatral, pero los títulos de la primera parte te da una idea: Albor, como hemos estados todos, y la segunda parte: desterrados, que es la vida.
–¿Se sintió decepcionado por no ganar el Premio Rómulo Gallegos?
–En lo absoluto. Me alegró mucho figurar entre los 40 finalistas; pero, por otra parte, el éxito de Pronombre ha sido tan avasallante con lo del periódico primero y ahora con lo del libro, que realmente pensé que Dios se iba a exceder dándome más.
–¿Si usted hubiera sido jurado a quién le habría dado el premio?
–Sin dudas que a Soldados de Salamina, de Javier Cercas; una novela que ha recibido más de 80 premios. La acabo de leer y me parece sublime.Tienes que leerla.
–¿Cuál es el encanto de vivir en Caracas?
–En mi caso particular es porque resido frente al Avila. Cuando estoy fuera del país, siento una nostalgia tremenda, aún cuando esté viendo tantas maravillas; y me pregunto ¿qué es lo que pasa? Y me respondo: te hace falta El Avila.
–¿Qué es el público?
–El oxígeno del actor. En teatro, todo lo demás puede ser suplantado, incluyendo al dramaturgo o al director, pero si los actores no se enfrentan al público o si el público no se enfrenta a los actores, no hay teatro.
–¿Hace bien el teatro venezolano al no montar a los clásicos?
–No. Me gustaría que lo hicieran.Yo siento envidia de ciudades como Lima donde tengo amigos que me cuentan que están montando a Shakespeare, Racine, Arthur Miller. Aquí, eso no se hace debido a la crisis económica. Tendrían que usar mucha imaginación para superar los costos.
–¿Hacer teatro comercial es un pecado intelectual?
–En lo absoluto. Cada quien debe hacer el teatro en el que cree. Ahora, si ese teatro comercial es chabacano, lo lamento. A ese teatro le va bien en la taquilla.
–¿Hace falta una ley de contenidos para regular a los medios?
–Cualquier ley que coarte las libertades es peligrosa.
–Se tropieza con el espíritu de Pirandelo en un ascensor. ¿Qué le preguntaría?
–Lo felicitaría por su genial idea de hacer teatro dentro del teatro.
–¿Cuántas veces al día invoca a Dios?
–Yo aprendí de un amigo, que tiene 98 años, que me dijo que cada mañana al despertarse dice: “Dios, qué maravilla, me has dado un día más”.
–¿A qué obra teatral suya asemeja la Venezuela de hoy?
– Asia y el Lejano Oriente y La Revolución.
–Si Dios le concede el don de revivir a un autor teatral ¿a quién escogería?
–A José Ignacio Cabrujas. El tenía todavía muchas cosas por hacer.
–¿No lo ha tentado escribir una telenovela?
–Hace años lo hice con La trepadora, que protagonizó Doris Wells; y Abracadabras.
–¿Cuál sería su lema para vender a Venezuela desde el punto de vista turístico?
–Venezuela es un disparate... venga a comprobarlo.
–Chávez inventó la ruta de la empanada.¿Cómo podría crearse la ruta del teatro?
–¿Y existe una ruta de la empanada?
–¿Qué personaje siniestro borraría usted de los libros de historia?
–Por supuesto que Hitler.
–Tres errores que no debería cometer el próximo gobierno.
–No imponerse sobre las otras opiniones, sino conciliar; sembrar el interés por la inversión foránea, al mismo tiempo estimular la empresa privada nacional; y en tercer lugar, actuar con una ética transparente.
–¿Qué le robaría al teatro para hacer la vida más agradable?
–Su fantasía. La maravilla del teatro es que es una mentira dicha con
verdades. Pero es más verdadera que la verdad.
Tal Cual. 7 de julio de 2003
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