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EL CELCIT EN ACCIÓN
Boletín del Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral
N° 184. 13 de julio de 2003
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TEATRO ARGENTINO EN LONDRES
Al revés de las invasiones inglesas
Dos puestas en escena en el Royal National Theatre, además de traducciones de obras y ciclos de cine.
Tres obras cortas de la serie de Teatro x la Identidad, originado por las Abuelas de Plaza de Mayo, acaban de estrenarse en traducción inglesa en el Arcola Theatre, escenario del off West End, al norte de Londres. Casi simultáneamente, en lo que aquí se considera la fábrica más importante de teatro internacional, el studio del Royal National Theatre, dos dramaturgos argentinos trabajan con un equipo británico bajo dirección de un francés en la versión inglesa de sus obras.
También el cine estuvo presente con una temporada de películas en el National Film Theatre, en su impresionante sede sobre el Támesis: se exhibieron Labios de Churrasco, Silvia Prieto, La ciénaga, Pizza, birra, faso y Bolivia, entre otras. Pero es el teatro argentino lo que en verdad logró instalarse en la capital británica. Para mí fue emocionante ver el estreno de las tres obras de las Abuelas a sala repleta en Londres, ya que también me encargué de las traducciones al inglés, encaradas como patriada, aceptadas para su publicación en el Reino Unido y luego llevadas al escenario.
Las obras A propósito de la duda, de Patricia Zangaro, y Contracciones, de Marta Betoldi, habían sido publicadas en inglés antes de su estreno. La revista Index on Censorship publicó a Zangaro en enero de 2001, y en 2003, la pieza de la actriz argentina Marta Betoldi, en la versión dirigida por Leonor Manso en Buenos Aires. La tercera obra, La entrevista, de Bruno Luciani, un impresionante monólogo para una actriz, tuvo su estreno teatral en inglés sin pasar por la publicación. La producción fue apoyada por el Comité Internacional para la Libertad de Artistas del sindicato de actores, presidido por Janet Henfrey. La dirección estuvo a cargo de la inglesa Tiffany Watt-Smith, del teatro Arcola. En todos los casos, las representaciones siguieron los lineamientos de las representaciones porteñas: en un pequeño teatro, sobre un escenario vacío, los actores ingleses ofrecieron una representación desnuda trabajando con luces para lograr el efecto dramático y tajante de los textos.
Para quien se pregunte cuáles son las razones por las que un auditorio británico puede interesarse por estas obras de la serie de las Abuelas, Watt-Smith comentó que el problema de la identidad y la memoria no son privativos de la Argentina. Europa es testigo de la mayor ola de migración económica de la historia: los problemas causados por la pérdida de identidad y la falta de memoria son temas que atraviesan todos los niveles sociales.
En cuanto a los autores instalados en el studio del Royal National Theatre, Marcelo Bertuccio, de 41 años, y Rafael Spregelburd, de 33, son parte de un intercambio teatral británico-argentino. En febrero estuvieron en Buenos Aires los dramaturgos escoceses David Harrower y Gregory Burke, trabajando con traductores argentinos en dos obras que se presentarán en Buenos Aires en el Festival Internacional de Teatro de setiembre.
Entretanto, ya está traducida al inglés la obra La estupidez, de Spregelburd, quien llegó a Londres desde México y luego seguirá viaje a Viena y Berlín. También ha sido traducida la obra de Bertuccio, aunque el título original —Dolorosa lucha de María por evitar que la serpiente se muerda la cola— seguramente será adaptado. El intercambio es parte de un programa llamado "Canales", dirigido por el francés Philippe Le Moine, jefe de programas internacionales del Studio, quien viajará a la Argentina en setiembre, para el festival.
Andrew Graham-Yooll. Clarín. 12 de julio de 2003
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FRANCIA.
La huelga de artistas 'cancela' los festivales
culturales franceses de Aviñón y Aix-en-Provence
La huelga de los trabajadores 'intermitentes' ha obligado a la cancelación de dos de los festivales de teatro más emblemáticos de Francia: el Aix-en-Provence y el de Aviñón. El director de este último, Bernard Faivre d'Arcier, ha hecho el anuncio en una entrevista al diario 'Le Monde'. La cita debía celebrarse del 8 al 28 de julio, pero nunca llegó a ser inaugurada.
Los trabajadores con contratos por obra, conocidos como 'intermitentes', protestan por la reforma proyectada por el Gobierno para su régimen laboral.
La cita de Aix-en-Provence, la número 55, fue el miércoles el objetivo principal de sus protestas. Durante la representación de la ópera 'La Traviata', los huelguistas organizaron una 'pitada' con trompetas, petardos y objetos metálicos. La anulación va a obligar a reembolsar las entradas vendidas (unas 50.000).
Los huelguistas, artistas y técnicos denominados "intermitentes" porque sus contratos son de corta duración, protestan contra la reforma del sistema de indemnización por desempleo, que ahora perciben durante el tiempo entre dos contratos.
El Mundo. 11 de julio de 2003
"Es algo muy triste"
Ricardo Bartis opina desde Avignon.
"Es algo muy triste lo que está pasando en Avignon -dijo Ricardo Bartis en una charla telefónica con LA NACION, desde esa ciudad-. Aunque estamos de acuerdo con el reclamo y hemos participado en las asambleas multitudinarias, vemos con tristeza que no se encontró una alternativa lógica para el problema. El tema más grave es que el teatro francés perdió un espacio de discusión para enfrentar al sistema."
El director argentino había sido invitado a participar de la 57ª edición del Festival de Avignon, con su espectáculo "Donde más duele", que debió presentarse el miércoles último, pero ya el paro se había iniciado el martes y no se dio marcha atrás.
"El reclamo es legítimo -continuó Bartis-, pero el ministro de Cultura francés decidió mantener el decreto. Desde su creación, en 1947, es la primera vez que sucede un acontecimiento de esta índole. Observamos a través de las charlas que hay una problemática política de fondo. Observamos un lenguaje de teatro monumentalista, paternalista y de una dependencia espantosa. Propusimos en las asambleas, ya que el festival es tradicional y muy caro, que se mantuviera una huelga activa, pero que se realizaran las funciones. La propuesta no fue aceptada y se prefirió seguir con los planes de confrontación."
El elenco de "Donde más duele" venía de realizar una gira por Holanda, Berlín y Toronto, para finalizar en Avignon. Con la puesta armada, los argentinos deberán desmantelarla y están esperando el momento de volver a la Argentina. "Creemos que el festival va a cubrir los compromisos económicos, o nosotros lo exigiremos. De cualquier forma fue útil para pensar y reflexionar. Valorizamos nuestro teatro, que está libre de ataduras y que funciona sin dependencias."
Susana Freire. La Nación. 12 de julio de 2003
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LA ESCENA IBEROAMERICANA
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ARGENTINA. Un desterrado en el Abasto
Basada en "Timón de Atenas" -una obra poco desconocida del autor inglés- el director Miguel Guerberof dio forma a una tragedia sobre la falsedad del comportamiento, casi moneda corriente en la historia humana. Se estrenará hoy.
Miguel Guerberof eligió una figura de asombrosa atemporalidad.
La pieza elegida, "Timón de Atenas", es una de las menos representadas del autor isabelino y esa es la premisa de la Compañía Shakespeare de Buenos Aires, que hace varios años fundó y dirige el docente, actor y director Miguel Guerberof.
Con ese objetivo Guerberof y su equipo de actores, dieron a conocer sus propias versiones escénicas de la obra de Shakespeare: "Ceremonia enamorada", basada en textos de heroínas shakespirianas; "Cuento de invierno" -con la que se presentaron en Düsseldorf, Alemania-; "Todo esta bien si termina bien" y "Para todos los gustos".
Con versión escénica y dirección de Miguel Guerberof y traducción de Natacha Cervi, "Timón" (basada en "Timón de Atenas"), de Shakespeare, se estrenará hoy, a las 23, en El Ombligo de la Luna.
En la pieza a la que se le buscó una resonancia contemporánea, los actores: Horacio Acosta, Carlos Lipsic, Carlos Da Silva, Gustavo Chantada, Javier Montú, Diego Cosín, Mariano Mazzei, Agata Fresco y Antonia De Michelis, se dividen los papeles de soldados, bufones, ladrones y senadores.
UN HOMBRE SOLO. En "Timón" se cuenta la tragedia de un comerciante influyente que tiene una estrecha vinculación con aquellos que manejan el poder privado y estatal. Claro que más tarde esas amistades le terminarán dando la espalda y él caerá en el quiebre de sus valores morales y obsesiones sexuales, terminando en el destierro. La venganza de Timón y su muerte son parte del paso final de la obra, que está ambientada en tres espacios: el bosque, la casa de Timón y el Senado.
En La Prensa, el director Miguel Guerberof dice que ""Shakespeare es un autor cuyas obras son mucho más salvajes de lo que se muestra en escena. Nuestra intención es hacer un teatro casi físico, con actuaciones intensas y textos claramente expresados. Cuando hicimos "Todo está bien si termina bien" opinaron que era una comedia muy sexy y subida de tono, por eso no fuimos aceptados en un festival europeo. Peter Brook me decía que Shakespeare es un poeta que lleva un cuchillo en una mano y las odas de Virgilio en la otra...""
EL FAMOSO TOMA Y DACA
-¿Qué significa para el autor, el personaje de Timón?
-La mayoría de las piezas de Shakespeare han sido leídas desde un punto de vista freudiano. Y uno no puede explicar estas obras si no es en base a un señalamiento final. Timón es un misántropo, un personaje que da, entrega algo para conseguir otras posibilidades a cambio. Ese hombre tiene una profunda soledad, no tiene familia. En la obra no se habla ni de su mujer o su hijo y cuando muere nadie lo llora.
-¿Cuál es la filosofía de este héroe?
-Tiene mucho que ver con la tragedia. "Timón" es una especie de mito que gira sobre sí mismo. Es un hombre que no ve más allá de sus propios intereses y luego decide vengarse de aquellos que lo abandonaron. La pieza ha sido analizado hasta por Gilles Deleuze. Shakespeare que es un autor que se vincula con el quehacer poético, ha logrado traspasar todas las épocas. La filosofía todavía está tratando de desentrañar qué quiso decir Shakespeare cuando al final de "Hamlet" aparecen las palabras "El resto es silencio". Cuando el espectador escucha esa metáfora poética lo que siente es que lo invade una profunda desazón y esa es la comunicatividad humana de Shakespeare.
UNA REITERACION CICLICA. Miguel Guerberof no se asombra de que en este momento en la cartelera porteña haya varias obras de Shakespeare.
-Cuando hicimos "Cuento de invierno" en Buenos Aires se estaban dando unas cinco obras de él y ahora ocurre lo mismo. En nuestro caso la elegimos porque parece escrita para nuestro país. Muestra un señalamiento preciso sobre la corrupción en el Senado y las personas que rodean a Timón.
-¿Qué lugar ocupa la traducción de la pieza en su trabajo?
-Es esencial. Hace cinco años que trabajo con la misma traductora, Natacha Cervi, y con ella lo que hacemos es respetar el verso blanco.
Juan Carlos Fontana. La Prensa. 11 de julio de 2003
CHILE. Cuento de Roberto Parra se convierte en obra
En el montaje Entre luche y cochayuyo participará Lala Parra, una hija del artista.
En abril de 1995 falleció, a causa de un cáncer, el músico popular Roberto Parra. Una década antes el autor de La negra Ester había imaginado su muerte en el cuento Entre Luche y cochayuyo, publicado artesanalmente en 1988. Había ideado una muerte a su manera: lo mataban, por error, en una fonda de San Bernardo. Mientras él partía al infierno a buscar a su asesino, en la tierra lo tapaban con papeles de diarios.
En dos meses más, ese cuento se convertirá en una obra de teatro. El montaje será dirigido por Eduardo Sáez, quien hace dos años - junto a la compañía El Escaño- puso en escena El golpe, un texto en décimas que Parra escribió para relatar cómo vivió el 11 de septiembre de 1973.
En los ensayos de Entre luche... ha participado Leonora Parra Lala (30), hija del músico. Queremos 'aguacharla' para que toque guitarra en el montaje, confiesa Sáez. Pero ella no necesita hacer más méritos: Para mí este proyecto es muy importante. Me invitaron a hablar de mi papá y a tocar y yo feliz. Voy a interpretar unas cuecas, promete Parra, poetisa y música.
Y agrega: Yo estoy un poco enamorada de mi papá. Justo ahora terminaba de escribir un poema donde viajo a su corazón y me encuentro los personajes de los que él me hablaba cuando yo era niña. Veo a la negra Ester, a la señora Berta, y a los personajes de 'Entre luche y cochayuyo'. Estoy muy conectada con su obra.
Entre luche..., que se estrenará en agosto en el Teatro Novedades, cuenta con la autorización de Catalina Rojas, viuda de Parra, y quien administra los derechos de su legado. Nosotros queríamos montar 'El libro de Lazarillo', y Catalina nos mostró esta obra que tiene como 30 personajes. Nos gustó mucho y en eso estamos, concluye Sáez.
HASTA TANGOS. CATALINA Rojas, viuda de Parra, espera publicar para Navidad un disco con grabaciones inéditas del Tío Roberto. El álbum incluirá unos tangos que hace poco encontró Nicanor Parra.
Verónica Marinao. El Mercurio. 9 de julio de 2003
COLOMBIA. Hablando de sexo con sinceridad
Después de ver la obra en México, una mujer de 49 años se le acercó a la actriz Margarita Gralia y le confesó que nunca había sentido un orgasmo en su vida. "Sentía que la obra le había dado consejos para poder lograrlo", cuenta la artista que durante dos semanas estará en Bogotá presentando el monólogo Tengamos sexo en paz, original de Darío, Jacomo Fo y Franca Ramé.
Gralia, argentina radicada en México, recuerda también a otra mujer del público, de 30 años que había tenido cáncer de matriz, por la intensidad de lo que le dijo: "Me dieron de alta de la quimioterapia, pero usted me dio el alta para tener sexo en paz, porque me sentí motivada y muy mujer".
Estas anécdotas han motivado a Gralia a seguir representando este monólogo que se estrenó hace cuatro años y que va por las mil funciones. "Su permanencia habla por sí misma del éxito del monólogo -explica-. Asiste gente joven, gente de edad mediana. Les gusta el tratamiento que el texto le da al tema".
Llama la atención desde el título y, al parecer, podría ubicarse dentro de la misma línea de Monólogos de la vagina, que a la par, trata de descubrir el mundo de la sexualidad sin ser vulgar, sin morbo. "La diferencia es que esta habla de la pareja -cuenta la actriz-. Habla mucho del tipo de educación que hemos tenido. A veces, hay madres que no saben cómo hablarle a sus hijos y como no lo hicieron con ellas sienten que es difícil. Por eso la obra es honesta, no ofende a nadie, tiene humor pero es muy fina".
Tiene que ser así si proviene de la pluma de los esposos Darío Fo y Franca Ramé, que esta vez escribieron a seis manos junto con su hijo Jacopo. El montaje, aclara su intérprete, no es una especulación o un bodevil. "De hecho, a la hora de adaptarlo, trabajamos con sexólogos y médicos que nos asesoraron y corroboraron muchas de las cosas que digo en escenario".
Así será la obra, se presenta hasta el 20 de julio en el Teatro Nacional de la 71. Gralia espera encontrar respuestas similares a las ocurridas en México. No solo la de mujeres que se identifican sino otras como la de novios que llevaron a sus novias a ver la obra y después de la función, les pidieron la mano.
El Tiempo. 9 de julio de 2003
ESPAÑA. De la escuela a la escena profesional
La compañía José Estruch-RESAD estrena en Almagro El hechizado por fuerza .
Una de las pocas salidas que los jóvenes actores encuentran para forjarse en el teatro clásico es la compañía José Estruch-Resad. Un proyecto a camino entre el mundo académico y el profesional, que pretende emular a la Royal Shakespeare Academy pero que carece de los apoyos necesarios para ello. Como todos los años, la compañía acude al Corral de Comedias de Almagro para estrenar. Este año lo hace con El hechizado por fuerza, de Antonio Zamora.
Cristina Pons tiene 30 años. De los doce compañeros de promoción que se licenciaron con ella hace cuatro años sólo cuatro se dedican a la interpretación de forma profesional y continuada. “Una compañera trabaja ahora como delineante, dos son camareros.... a mí también me ha tocado servir muchas copas esperando la oportunidad de un casting”, dice Pons. Cada año se matriculan en la RESAD de Madrid más de 300 aspirantes a actores, directores, dramaturgos y escenógrafos que ignoran que con la licenciatura no llega un contrato fijo en un proyecto estable. Muchos licenciados van dando tumbos de casting en casting, hacen sus pinitos en televisión pero son muy pocos los que acceden a formaciones profesionales más o menos estables y de mayor calibre como la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
Pons es uno de los nueve actores que junto con Manuel Morales, Roberta Hellín, Alejandro Navamuel, David Alarcón, Ana Ruiz, Luis Moreno, Vicente Camacho y Natalia Hernández forman este año la Compañía José Estruch-RESAD de teatro clásico que va a estrenar en Almagro El hechizado por fuerza de Antonio Zamora. Esta compañía se ha convertido en una de las escasas oportunidades para actores, directores, dramaturgos y escenógrafos de conseguir formar parte de un proyecto teatral profesional con el respaldo de una institución como la RESAD y un escaparate de lujo como es el Festival de Almagro.
UNA ALTERNATIVA PRÁCTICA. La compañía José Estruch-RESAD (toma su nombre del que fuera profesor de la Escuela y discípulo de Margarita Xirgu en el exilio) es un hermoso proyecto que surgió hace seis años del Aula de Teatro Clásico que imparte la RESAD. “No queríamos que el curso se quedara en algo meramente teórico, sino que queríamos brindarles la oportunidad de hacer un montaje profesional”, dice Vicente León, profesor y tesorero de la Asociación José Estruch de la que ahora depende la compañía. “Aquí nadie cobra –asegura– salvo los miembros de la compañía que reciben becas de formación”. El resultado de ese afán por profesionalizar la compañía fue un convenio con el Festival de Almagro –donde desde hace seis años se extrenan puntualmente todos los trabajos de la compañía– y seis títulos estrenados: Escuela de maridos (1997), Obligados y ofendidos (1998), El rufián castrucho (1999), El monstruo en los jardines (2000), Los empeños del mentor (2001), El amor al uso (2002) y El hechizado por fuerza (2003).
Existe una serie de condiciones que limitan el acceso a esta particular compañía: los actores se eligen por un casting que hace el director designado para el espectáculo –este año es Rafael Cea– pero previamente han tenido que ser alumnos del curso de teatro clásico que imparte la Asociación y ser licenciados por alguna de las escuelas de arte dramático de España. Tanto el director como el dramaturgo, figurinista y escenógrafo se eligen “entre los alumnos con mejores notas de la última promoción de la RESAD” que además han asistido al mencionado curso.
Fernando Doménech, uno de los vocales de la Asociación, asegura que la Compañía José Estruch es una iniciativa única en España y que debería tener más respaldo. “Está un poco desasistida –dice–. El presupuesto es exiguo, 18.000 euros anuales (casi tres millones de pesetas) que vienen de la RESAD y de subvenciones del Ministerio de Cultura y la CAM. Nuestro referente es la Royal Shakespeare Academy pero estamos muy lejos de conseguirlo”. Sin embargo, su labor es muy parecida a la que realiza la formación inglesa, que recibe subvenciones sustanciosas y tiene un circuito de exhibición que en España es inimaginable en la actualidad. Curiosamente la formación tuvo un convenio con la Compañía Nacional de Teatro Clásico para poder representar sus obras en La Comedia de Madrid, “aunque con el cambio de dirección de esa institución el convenio no se renovó”, dice David Alarcón, uno de los actores.
JOYAS RECUPERADAS. Otra importante labor que desempeñan la Compañía y la Asociación es la recuperación de textos clásicos que forman parte de nuestro patrimonio cultural pero que, “a pesar de ser muy valiosos, están olvidados”, dice Doménech. Una de esas joyas perdidas por el paso de los años y las modas literarias es El hechizado por fuerza de Antonio Zamora, dramaturgo madrileño que escribió una treintena de obras, muchas inspiradas en Lope. La obra gozó de esplendor a finales del siglo XVII, “incluso Goya tiene un cuadro inspirado en él”, asegura Luis García Araus, quien ha realizado una importante labor de adaptación. “Tiene un comienzo lento y enrevesado pero el desenlace es muy ágil y moderno”. Araus define el texto como “una comedia de figurón, muy divertida, sobre la hipocresía y el triunfo de la inteligencia”.
Manuel Morales, Roberta Hellín, Alejandro Navamuel, Cristina Pons, David Alarcón, Ana Ruiz, Luis Moreno, Vicente Camacho y Natalia Hernández ensayan estos días en un aula de la RESAD junto al director Rafael Cea y el dramaturgo Luis García Araus. Las sandalias fucsias de Pons asoman por las enaguas y las zapatillas deportivas de Moreno desentonan con unas medias de época improvisadas. Durante lo sensayos, en el espacio escénico conviven el atrezzo imaginario y las mochilas tiradas por el suelo de las que sobresalen los libretos subrayados. El ayudante de dirección susurra el verso olvidado y los actores se ríen cada vez que salen de escena. Al recinto llega la música de Chicago, obra de fin de curso que otros alumnos ensayan en el aula de al lado.
Todos los actores de esta compañía creen que ésta es una valiosa ocasión para mostrar su trabajo desde ese “escaparate excepcional que es Almagro”. Muchos de ellos están en este proyecto “porque es una gran oportunidad para trabajar en lo que te gusta”, asegura Manuel Morales. “La situación está muy mal, hay mucho intrusismo, es difícil acceder a los castings y cada director trae su equipo. Cuando sales de la escuela llamas a muchas puertas pero ninguna se abre” dice Luis Moreno, uno de los más afortunados de la formación ya que actualmente trabaja con Flotats en París 1940. El director, Rafael Cea, cree que “todo está muy burocratizado y que el mayor problema en España es que no existe un mercado profesional. Esto se ha convertido en un círculo cerrado”.
EL SUEÑO DE UN REPARTO ESTABLE. Navamuel cree que no existe un circuito apropiado y que ni siquiera es fácil tener acceso a las salas alternativas: “Al final uno acaba poniendo dinero y produciéndose todo”. Al igual que Morales, Alarcón y Vicente Camacho todos han tenido experiencias en formaciones profesionales como La Cubana o incluso la CNTC. La formación de un elenco estable es imposible por costes y porque la compañía carece de un circuito al que poder acceder. Estos nueve actores aseguran que se encuentran muy desasistidos y que ayudas como éstas son necesarias pero muy escasas.
Después de las dos noches en el Corral de Comedias el futuro de estos jóvenes es incierto. Muchos volverán a sus propias compañías, “la única forma de poder hacer algo”. Moreno lo hará con su compañía Pos-pos, Hellín con “Fuegos fatuos”, Hernández con “Túeresboba” y Alarcón volverá “a mis animaciones en despedidas de solteros, a pesar de haber trabajado en la Compañía Nacional de teatro Clásico”.
Itzíar De Francisco. El Mundo. 11 de julio de 2003
URUGUAY. La escala humana: "Alguien se hará cargo"
Ex integrantes del ya desaparecido grupo Caraja-jí, y protagonistas en su momento del también perimido conflicto entre "la nueva y la vieja dramaturgia argentina" -que les valió, finalmente, el reconocimiento de su medio teatral-, lo cierto es que, más allá de ciertos rasgos -y sobre todo de cierta historia- en común, los argentinos Javier Daulte (1963), Rafael Spregelburd (1970) y Alejandro Tantanián (1966) son -cada uno desde su propia impronta- parte de los autores teatrales más reconocidos de la vecina orilla.
La escala humana, obra escrita por ellos a seis manos, es producto entonces de la convergencia de tres lenguajes, tres formas de estructurar el relato, tres concepciones estéticas y tres visiones sobre el mundo y el propio hecho teatral, y constituye no sólo una suerte de muy bien lograda sintonía dramatúrgica, sino también una de las piezas más exitosas y reconocidas de los últimos tiempos, al menos en su país.
Mediante un humor cínico y despiadado, la obra expone una óptica sobre esa "escala humana", que no es otra que la del hombre en relación a su entorno. Aquí, esta relación es implacable: el ser humano ya ha sido devorado por su propia construcción, por esa realidad tan inexorable como plausible de ser tergiversada y construida "a la carta", y cuya existencia, por lo tanto, ha dejado de tener sentido.
Entre el realismo y el absurdo la obra fluye, de manera inteligente y dinámica, a través de una estructura que juega con los géneros -policial, thriller, comedia negra- y sus convenciones.
Mini (Marisa Bentancur), una viuda joven y madre de tres hijos adolescentes -Leandro (Alvaro Armand Ugón), Silvi (Lucía Arbondo) y Nene (Nicolás Albornoz)-, se convierte en asesina cuando "esa maldita costumbre de decirle 'pimientos' a los 'morrones'" la lleva a serrucharle el cuello a su vecina en pleno supermercado. A partir de ahí, la pieza se interna en las peripecias a las que se enfrentarán sus hijos para impedir que el nuevo amante de la protagonista (el Inspector Norberto Suardi -Sergio Pereira-) se entere de ese y de los subsiguientes crímenes por ella cometidos, y para liberarla de una culpa que ella misma asume y hasta alardea. Pero, contrariamente a los procedimientos del policial o del thriller, lo importante aquí no son los asesinatos o la autoría de los mismos -que es revelada de antemano-. Importa sí lo que subyace y rodea a esos hechos de sangre y a su ocultamiento, a saber: las marcas sociales en las individualidades, así como la posible incidencia (o no) de éstas en el propio orden social, respecto al cual los personajes son presentados como consecuencia o síntoma. Esos indicios aparecen en las situaciones cotidianas, y son los que constituyen en definitiva la "escala humana" indagada por el texto.
La disociación constante entre un trabajo naturalista de la puesta en escena y las composiciones de los personajes por un lado, y el extremo irracional de la anécdota por el otro, desemboca en un planteo de secuencias cuya extravagancia choca con el contexto de cotidianidad en el que se suceden, generándose de este modo, situaciones genuinamente desopilantes.
A través de estos cinco personajes, a los que se suman otros siete muy bien compuestos desde las voces en off, la obra apela, más allá del humor, a la interpelación del espectador. Lo hace mediante la puesta en evidencia de una actualidad en la que la falta de perspectivas, la incomunicación y el absoluto desinterés por lo que sucede alrededor pues "alguien se hará cargo", son partes componentes de una cotidianidad que tiende a repetirse, rítmicamente, y a instalarse como el verdadero absurdo de nuestro devenir. En este nuevo orden ya no importan las acciones humanas, sino la apariencia o desaparición que a su alrededor se construya.
El modelo familiar aquí reproducido desde el absurdo, no se aleja mucho, por otra parte, de la cada vez más común dilución de roles en las familias contemporáneas. En este caso, es la madre -y no los adolescentes- el emergente del desequilibrio y la inestabilidad, y los hijos quienes deben constituirse -por sobre sus propias carencias- en protectores del referente perdido: su madre ahora asesina. Serán ellos entonces, los manipuladores del propio entorno, ese que creen poder manejar con el mouse, desde sus computadoras, mientras la nueva figura de supuesta "autoridad" -Suardi, el Inspector corrupto- oscila entre la idiotez y el patetismo.
La incorporación de monitores de computadoras no sólo como parte de la escenografía sino también como elementos significativos en el relato constituye, además, una referencia al principal modo de percepción de la realidad hoy día: soledad y fragmentariedad. Para los hijos, de la computadora depende no sólo la diversión -hackear las cámaras de seguridad del súper de la esquina para espiar a sus vecinos es un ejemplo-, sino también el diseño del plan estratégico que ocultará los crímenes y los cadáveres, la base musical para su banda de música pop, y el propio contacto con el mundo. De ellos, la única que sale de la casa es Silvi, y lo hace como un acto desesperado: necesita evadirse de la angustia, y la única forma de hacerlo es, según explica, yendo al shopping y encontrando en la Master Card esa "sensación de estabilidad que genera el comprar a crédito".
Omar Bouhid y Gustavo Gomensoro -ambos debutantes en su rol de directores- lograron dar, al menos, con una buena fórmula para el éxito: un texto actual y ya consagrado en manos de un elenco de primera línea. De este modo, el nivel de excelencia de los trabajos actorales (destacamos especialmente la labor de Pereira y Bentancur), así como la comprensión que los mismos denotan de las intenciones e inflexiones del texto, colocan al estreno local de La Escala Humana entre los puntos fuertes de la actual cartelera montevideana.
Lucía Masci, Caras y Caretas, 11 de julio de 2003
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