URUGUAY. Lorca bajo la arena

"En estas 'comedias imposibles' está mi verdadero propósito. Pero para demostrar una personalidad y tener derecho al respeto he escrito antes otras cosas" afirmó Federico García Lorca (1898-1936) poco antes de su muerte. Se refería a Así que pasen cinco años y a El Público, piezas que, junto con la Comedia sin título, pertenecen a una etapa de exploración en la que el granadino se vuelca a un lenguaje experimental, a una nueva poética dramática, y a una búsqueda en ella de un "teatro verdadero". Intenta así encontrar una forma del arte que logre eliminar las máscaras del teatro convencional, esas que hasta el momento habían, según él, cubierto además su propia escritura. Estas producciones dramáticas, rompen con su línea anterior y tienen su paralelo poético en Poeta de Nueva York. Identificadas con la corriente surrealista, evidencian además una búsqueda intensamente personal y original, que unifica poesía y drama a partir del propio universo simbólico lorquiano, y cuyo desarrollo fue abruptamente interrumpido por la temprana muerte del poeta. Lorca consideró a estas obras "irrepresentables" debido a que, pensó, no podrían llegar a ser comprendidas por el público de su época. Sin embargo, veremos, cada época -así como cada región- tiene sus propias claves de lectura. El Público (1930) continúa siendo, aún hoy, uno de los textos más herméticos de Lorca. Su interpretación se hace extremadamente ardua y dificultosa y, tal vez por esta misma razón -sumada a la censura y al conocimiento tardío de la pieza-, ha sido también una de las menos representadas. Su primera edición, en 1978, se hace gracias a la desobediencia de Rafael Martínez Nadal, custodio del manuscrito y quien fuera en este sentido a Lorca, lo que Max Brod a Kafka. 
El punto de partida para esta pieza estructurada en seis cuadros (se cree que uno se perdió) es la representación de Romeo y Julieta de Shakespeare. A partir de allí se despliega una multiplicidad de ejes temáticos y planos simbólicos, para llegar a dos planteos principales. Por un lado: la necesidad de un "teatro bajo la arena" como alternativa a las máscaras del "teatro al aire libre", del teatro convencional que representaría, según Lorca, las propias disociaciones del ser humano en su afán de ocultar su "verdadera identidad". Por otro: un cuestionamiento sobre el amor y la sexualidad, ligado a ruptura de los esquemas mujer / hombre y hombre / mujer. "Romeo puede ser una ave y Julieta puede ser una piedra. Romeo puede ser un grano de sal y 
Julieta puede ser un mapa", replica el Hombre 1º al Director de escena. La pieza gira, como toda la obra lorquiana, en torno a la lucha entre la fuerza del deseo y los tabúes, leyes y costumbres que se oponen a su realización. En esta doble indagación, metateatral e introspectiva, los personajes son más bien figuras, y se desplazan por la escena desdoblándose permanentemente en otras, en un proceso constante de desenmascaramiento. La condensación de roles sugiere, por otra parte, un proceso de individuación en el que afloran todas las partes componentes de un solo sujeto. Lenguaje y figuras se mueven aquí en ese universo lorquiano reconocible, en el que la luna, el cuchillo, el caballo, el color blanco, los peces, las flores...tienen un valor semántico específico, así como las diversas representaciones de la feminidad y la masculinidad.
Luego de las teorías posmodernas, del estallido del sujeto, de la idea de la realidad como simulacros, de la proliferación y diseminación de sentidos, el abordaje de esta obra es sin duda riesgoso. Resulta además una propuesta ambiciosa, pues este planteo de El Público sobre "la verdad" y "la esencia", que corresponde netamente al pensamiento de la modernidad, merece hoy una profunda relectura, al menos si pretende trascender el mero interés que de por sí implica dar a conocer esta faceta de Lorca. La versión de Ruben Coletto exige, para su comprensión, el conocimiento previo de Lorca, y creemos que a partir de esto intenta proponer algo. Sin embargo no llegan a comprenderse las claves de lectura que subyacen a la propuesta. El interés de este tipo de relecturas, depende de su capacidad para decir algo hoy, y para despegarse de las posibles interpretaciones sobre "lo que quiso decir el autor", y es en este punto que, en nuestra opinión, la puesta de Coletto no logra separarse de una lectura de superficie del original y sus planteos, diluyendo el vínculo entre aquel original y el público actual. De esta forma, el impacto visual y la fuerza imaginativa contenidos en el texto naufragan en las distintas alternativas de una búsqueda que no llega a destino. La versión parece invitar al público a un ejercicio de experimentación del propio elenco encabezado por Coletto, a partir de la inspiración obtenida en el texto, pero al margen de los espectadores y de una propuesta acabada. Cabe señalar sin embargo algunos aciertos, como haber suprimido ciertas explicitaciones del original -caso del recurrente "pasaje por un biombo" para resolver el cambio de sexo de los personajes-, y haberlas sustituido por resoluciones más condensadas -en este caso, la representación de las principales figuras masculinas por las mujeres del elenco (Laura Schneider y Ana Pouso) incluidos los caballos, símbolo en Lorca de la virilidad, y de Julieta, la única mujer, por un hombre (Juan Silva). El desempeño del elenco presenta marcados altibajos, y la dirección de Coletto no logra orquestar las actuaciones en un estilo homogéneo. 

Lucía Masci. Caras y Caretas. 7 de noviembre de 2003

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